Synesthésie et compagnie

Hanksy Banksy

2011-12-08T11:53:00.003-05:00

Depuis cet été, les rues de New York se voient fréquemment visitées par les wheatpaste de Hanksy. Voilà exactement le genre d'humour dont est capable un mouvement né de la subversivité urbaine.

En plus d'être drôle, le travestissement des oeuvres les plus iconiques du plus populaire artiste de la rue expriment tout à fait le sentiment général de la communauté par rapport à l'Effet Banksy. Quelque chose comme le sentiment de se faire avaler par l'industrie de la culture de masse pour un mouvement artistique qui est né d'un désir de se dissocier des institutions et du marché de l'art.

Le street art ne réussit toujours pas, semble-t-il, à faire la paix avec sa relation love/hate avec les médias et les théories de contre-culture.

reliés:
Because now I'm worth it. Une brève étude de cas sur l'Effet Banksy

photos: Wooster Collective

Neil Young en noir et blanc

2011-11-28T17:57:00.001-05:00

Quand on fait une recherche google images de Neil Young, une surprenante majorité des photos sont en n&b. Est-ce que le monde musical country-folk-rural était en retard sur la technologie de la photo couleur? Est-ce que Neil Young a vécut sa vie en black and white parce que ça fait plus nostalgique?
En tout cas ça me donne envie de vivre, moi aussi, ma vie comme si j'étais en 1972 à chaque année.

Street art tourism: NYC II

2011-11-12T20:17:00.001-05:00

LoveFoxxx

2011-11-07T14:26:00.001-05:00

L'excentricité existait avant Lady Gaga. Dans la catégorie meilleurs costumes de scène, avec MIA et ses semblables, depuis déjà presque une décennie que la lead signer de Cansei de Ser Sexy donne toujours le meilleur des spectacles à ses fans.

I wish i would dye my hair pink
put on black lipstick
no one would give a shit
short shorts short skirts flower tops denim shirts in the big city
nothing hurts; nothing hurts

Il y en a qui savent que j'ai récemment re-découvert CSS grâce à leur prestation live à laquelle j'ai pu assister- de tout mon corps et ma tête et mes sens- au Webster Hall à New York. J'ai toujours bien aimé le groupe, mais sur scène, c'était terriblement excellent. Leur nouvel album La Liberacion, suite à mes ré-écoutes depuis le show, est vraiment bon.

LoveFoxx, de son petit nom de scène, ne fait pas le groupe à elle seule, mais rajoute définitivement à la synergie électrique des bréziliens. J'ai un petit crush. Sur scène, elle est mignonne, extravertie, et complètement déjantée. Elle saute partout et danse comme s'il n'y avait pas de lendemain.

Une collection des meilleurs onepieces de LoveFoxxx trouvés sur Flickr:

Et pour finir, un vidéoclip qui n'est peut-être pas de la dernière pluie, mais toujours aussi inspirant:

Street art tourism: NYC I

2011-11-02T14:45:00.002-04:00

voir aussi:

-Street art tourism: Paris I

-Street art tourism: Paris II

-Street art tourism: Paris III

Free for Wall - Love for All

2011-10-31T14:35:00.001-04:00

On dit que les concepts les plus simples sont souvent les meilleurs. C'est vrai.

Au détour d'une artère commercante ou d'une petite rue de quartier, cet automne, vous etes susceptibles de croiser un petit espace installé juste pour vous et le plaisir des yeux. Une invitation à l'expression artistique citoyenne. Une initiative du nouveau collectif une banane.

Pour moi c'est un coup de coeur instantané. Ça me donne envie de courrir à une de ces installations pour y écrire en grosses lettre rondes et roses: Je t'aime Montréal.
Ce Jeudi soir, à la gallerie Fresh Paint , vous etes invités au lancement de la 4e installation en son genre, en compagnie des créateurs et entouré des supers installations de Cease it:

Occupy Montreal: l'esthétisme de la contestation et comment faire concorder ses idéaux et son quotidien

2011-10-18T19:24:00.008-04:00

Photo: Martin Lachapelle

Occupy Montréal

Samedi matin, je me suis réveillée trois minutes avant mon cadran. Ça ne m'arrive que quand je suis stressée de peur d'arriver en retard à un truc ou alors quand je suis trop excitée. Routine: journal, café, déjeuner, et attention particulière à mes choix de vêtements. Mais pas comme d'habitude: ce matin-là, je n'ai enfilé que du noir. Et j'avais les papillons en appliquant mon eyeliner noir. J'avais les papillons en empochant une collation et des gants pour deux avant de refermer la porte d'entrée. J'avais les papillons en marchant vers le métro, beaucoup trop consciente de l'effet de ma tenue, rehaussée par un keffieh, aux codes sociaux biens établis. J'avais les papillons dans le métro, en regardant les passagers au regard effacé. J'avais envie de crier Wake-up! Métro Square Victoria. Je sors. J'ai les papillons.

Société de consommation

Je suis autant paradoxale que n'importe qui d'autre quand on compare ce que je dis et ce que je fais. Pour ma part, le discours anti-capitaliste et la surconsommation de vêtements sont au centre de ma problématique personnelle. Je l'ai toujours accepté, mais je suis aussi capable de me mobiliser socialement et politiquement dès que je sens que mon action pourrait s'inscrire dans un mouvement plus grand. Bref, je ne suis pas leader, mais au moins je suis dans ceux et celles qui suivent de près. Et là, Occupy, je ressens un genre d'adrénaline dans l'arène politique citoyenne. Ça ne m'a pas pris plus de dix minutes de réflexion pour me dire qu'il était temps que je fasse concorder mes idéaux et mes actions, que je fasse ma part pour diminuer mon impact sur l'écologie, que je lutte contre la surconsommation et les bases mêmes de la société du progrès. La décroissance économique et la justice sociale, j'ai envie d'y croire.

Alors voilà une de mes contributions personnelles à la mouvance. Arrêter d'acheter des vêtements pendant six mois, le temps de me distancier de la consommation à outrance. Prendre ce temps et cet argent pour élaborer des projets artistiques et consommer de la culture et du local: lire, acheter plus souvent l'Itinéraire, ouvrir les yeux, etc.

photo: jamie nyc

Aliénation médiatique

Je crois que les détracteurs et les sceptiques du mouvement Occupy ne comprennent pas l'empleur du problème décnoncé et la fougue qui anime ses activistes. Je crois que leurs réflexions sont alimentés par leur aliénation due au contrôle incroyable que les médias possèdent. Mais je crois surtout qu'il s'agit d'avoir une vision d'espoir de se voir accomplir le changement. Certains l'ont, d'autres non. Devinez qui reste à la maison. Le néo-libéralisme, le capitalisme, et aussi la démocratie représentative, je crois qu'on arrive à bout du roulot. C'est le temps d'essayer autre chose, si vous voulez mon avis, même si c'est pas demain la veille qu'on pourra vraiment dire: ok, on a changé de paradigme.

L'esthétisme de la contestation

Le Yarn Bombing est l'exemple de la démocratisation du street art à son meilleur, si vous voulez mon avis. Et voilà une autre de mes contributions à la lutte actuelle. La créativité et le politique en un. tout type d'art est suceptible d'être insufflé de politique, mais le street art est particulier dû à son statut illégal. L'existance même d'art dans la rue est un geste contre la loi- et subséquemment un geste politique. Oui, le tricot-graffiti aussi, tout aussi innofensif qu'il puisse paraître. De son accessibilité, le tricot devient le médium parfait d'une réelle démocratie artistique- où chacun peut participer à la production artistique humaine et au tissage d'une toile sociale plus forte. Plus d'une douzaine de personnes ont contribuées de près comme de loin à l'élaboration, la plannification, le montage et la documentation de cet ouvrage collectif. Ça, c'est un vrai moment d'art social que je garderai comme fier accomplissement dans un coin de mon coeur.

Épilogue - Occupy Wall Street
01-11-11-- Le parc Zucotti, c'est ce que tout le monde en dit, mais en mieux. Les similarités avec notre propre petite commune montréalaise sont frappantes, mais pas surprenantes. Après tout, nous faisons parti du même mouvement. Et c'est là que j'ai compris la beauté de l'échelle de Occupy.

Suite à mon retour de NYC, je ne cesse de me requestionner sur mon éthique personnelle. "J'ai toujours eu des valeurs et des opinions très tranchées sur la justice sociale et l'écologie- mais quels sont mes gestes qui prouvent mes réelles allégations?" Tranquillement, je trouve ce que je cherche. Je vis un réel retour aux sources. Ferme ta tv, lâche les blogs de mode, donne de l'argent à Greenpeace, va dormir au square Victoria, achètes plus de légumes et moins de viande, tricote plus vite...
Reste à savoir combien de temps ça va durer.

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Vers la fin du post-modernisme...?
Fuck les tendances
Yarn Graffiti- le documentaire

Je vois la vie en: MAUVE!

2011-09-29T15:49:00.007-04:00

Nouveaux concept de billet sporadique. Parce que souvent j'ai des folies monochromes. Ceux qui me connaissent savent que le vert hôpital et moi, c'est une vieille histoire d'amour. Et à chaque nouvelle saison au moins, je me prends d'une folie adoratrice pour une certaine couleur. Cet automne, fuck le camel et le vert émeraude, je trippe MAUVE.

Une des couleurs à la mode cet automne selon Pantone,

l'instance suprême des couleurs dans le monde de la mode.

Le look qui a tout commencé pour moi. Stylisme: Gabrielle Lacasse, vêtements: Citizen Vintage. Je me demande encore si j'accepte d'investir pour cette magnifique chemise encore en vente. Mon amie est partie avec les shorts cet été.

Des designers qui ont tout compris. NYFW Spring 12

Le premier item sur ma liste de fofolle.

Une autre chemise en chiffon, mais celle-là est ... MAUVE!

Mes nouvelles poignées de vélo. J'en avais besoin, pour de vrai.

Des nouveaux écouteurs urbanears parce que mes anciens turquoise viennent de me lâcher.

Du vernis mat. Non, ce n'est pas ma main.

The Sartorialist. Je n'aime pas particulièrement les vêtements ni les sujets, mais la photo est belle, et elles portent du MAUVE. Just sayin, it's all happening

Louboutin et ses chef's d'oeuvres

2011-09-27T17:57:00.001-04:00

Voici la suite de mes talents d'iconographe dignes d'une héroine d'un roman de Dan Brown (ma carrière a débuté avec la dernière collection de feu McQueen ), cette fois-ci pour une collections de souliers Louboutins. Autant le jeu de la recherche iconographique m'amuse, autant je reste perplexe quant à l'utilisation de ces toiles historiques pour en pervertir le sens vers l'incitation à la dépense complètement déraisonnée de souliers pour des milliers de dollars...

Ce n'est pas la première fois que la marque de luxe utilise le même concept. Mais suite à la saison précédente des natures mortes , sans plus tarder (mais avec déjà beaucoup de retard), je vous présente mes analyses et commentaires sur la campagne publicitaire Hiver 2011:

L'emprunt, du moins pour Louboutin, est parfait. À la lumière de la chandelle du soir, une jeune fille belle et sensuelle en complète méditation devant une paire de talons (sincèrement affreux, cela va sans dire). Marie Madeleine est, respectueusement à son habitude, représentée les épaules dénudées et les cheveux lousses. C'est l'épisode biblique de la repentance, d'où les attributs iconographiques du crâne et de la chandelle, de la croix, de la corde et des évangiles. Le crâne et la chandelle sont utilisés dans la pure tradition du Memento Mori; souviens-toi que la mort nous guette tous, la vie est fragile, etc.

Pour une recherche iconographique approfondie du personnage le plus controversée de la bible: Marie-Madeleine: figure mythique dans la littérature et les arts Par Alain Montandon

De la Tour a peint plusieurs Madeleines semblables, dont deux versions quasi-identiques. Il semble que la flamme de la version Louboutin indique que l'association soit faite à La Madeleine de Los Angeles plutôt que celle de Paris:

Georges de la Tour, Madeleine à la veilleuse, circa 1640-45,

huile sur toile,128 x 94 cm, Musée du Louvre, Paris

Georges de la Tour, Madeleine à la flamme vascillante, circa 1640

huile sur toile, 117 x 92 cm, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles

Un choix esthétiquement compréhensible, mais historiquement douteux. Ce portrait est certes considéré comme ''une célébration de l'abolition de l'esclavage dans les colonies par la Révolution française'' (Wikipedia), ça ne l'empêche pas de poursuivre dans les clichés de la beauté noire au corp dénudé et exotique.. Quoique représentée dans des habits antiques grecs dénotant le haut statut du personnage et le respect lui étant accordé, d'autant plus que l'artiste est une femme (et je dois dire que la toile originale dégage un plus grand respect de la féminité que la version Louboutin un peu trop... quelque chose), je reste perplexe. Déjà, le soulier est moins pire.

Marie-Guillemine Benoist, Portrait d'une négresse, 1800,

huile sur toile, 81 cm × 65 cm, Musée du Louvre, Paris

Encore une fois, on adapte le vieux tableau à la sensualité 21e siècle: un peu plus de poitrine et de peau luisante. Pour une sainte, Dorothée de Césarée semble un peu plus allumée que normal..

La légende selon wikipedia nous raconte qu'elle mourut vierge et décapitée, une vraie martyr: ''Elle fut amenée devant le préfet Sapricius, passa en jugement, fut torturée et condamnée à mort. Alors qu'on la menait au supplice, l'avocat païen Theophilus lui dit pour se moquer d'elle : « Nouvelle épouse du Christ, envoie-moi quelques fruits du jardin de ton époux. » ''. Est-ce là un soulier du jardin de Jésus?

Francisco de Zurbaràn, Sainte-Dorothée de Césarius, 1648,

huile sur toile, 180,2 x 101,5 cm,

Et que dire du portrait de l'allégorie la plus populaire de la famille puritaine américaine! Difficile de mieux dériver le sens de la toile originale qu'en y insérant au centre de la composition un objet de consommation des plus futiles. Ou peut-être que l'on pourrait poser un regard différent sur cette mise en scène de la part de Louboutin en l'analysant en tant qu'actualisation des valeurs représentatives de la société américaine (On voit toujours ce que l'on veut voir, n'est-ce pas?)

James McNeill Whistler, Whistler's Mother, 1871,

huile sur toile, 144 x 162 cm, Musée d'Orsay, Paris

vous pouvez voir toutes les autres photos ici.

Est-ce que les créateurs ont réfléchit plus d'une demi-seconde en choisissant ces tableaux pour leur campagne? Leurs choix ont-ils été faits en fonction des figures représentantes d'avancées féministes ou plutôt sur des formes, des couleurs et des mises-en-scènes variées dans leur simple ''look''? Est-ce que je sous-estime le monde de la pub?

Mile End Street Art - Stikki Peaches & Yarnbombing

2011-09-24T19:36:00.001-04:00

Scenes from the Suburbs - le film

2011-09-22T12:19:00.004-04:00

Pop-Montréal est le meilleur festival parce qu'il est le plus complet. Sur la place des festivals cette semaine on pouvait venir assister à la projection gratuite, entre autres, du court métrage de Spike Jones inspiré du récent album The Suburbs d'Arcade Fire. Produit dérivé du vidéoclip du même titre sorti il y a presque un ans, le film de Jones nous permet de replonger dans la même atmosphère, seulement pour un peu plus longtemps. On ressort du court métrage avec les mêmes questionnements et le même sentiment de malaise que du vidéoclip. Selon moi, c'est réussi.

Inspiré de la banlieue texane de l'enfance des frères Butler, le film est campé dans un contexte familier pour plusieurs. Mais à cette banale vie adolescente se greffe une situation politique que les nord-américains n'ont jamais connu: la guerre civile. Le film de Jones choque en confrontant des images qui nous évoquent souvenirs de jeunesse et des scènes de brutalité et d'abus de pouvoir, mais surtout d'angoisse généralisée.

Selon moi (et comme je l'ai déjà mentionné), il y a des liens à faire avec le vidéoclip Born Free de MIA réalisé par Romain Gavras. Ce qui me tracasse, c'est la citation de Win Butler sur le film qui ne fait aucunement allusion à une critique ou un commentaire anti-militariste. Je n'ai d'ailleurs lut nulle autre part de billet/article notant la même importance à ce caractère. Tout le monde semble se concentrer sur le storyline des ados. Est-ce que je politise trop tout ce que je vois? Mais sinon, pourquoi inclure le facteur armée s'il n'est que figurant? Il est vrai, par contre, que la beauté du film est grandement due à la réussite du jeu d'acteurs et à la réalisation plus que réaliste de Jonze. Au final, le film reste marquant pour moi peut-être pour une raison différente de celle qui a animé ses créateurs à sa production.

En tout cas, ce soir, c'est à la place des festivals que toute la ville de Montréal se retrouvera.

DIY: Une tête comme pot de plante

2011-09-17T16:52:00.001-04:00

J'aime l'automne parce que le Village des Valeurs y vend, pour un temps limité, des têtes à 2,99$. C'est fou tout ce qu'on peut faire avec des têtes en styromousse. Alors voilà que je me sentis 2.0 Vendredi dernier et décidai de prendre en photo mon beau petit bricolage que voici, en six étapes faciles.

Étape 1: Trouver un site adéquat.
Suite à mon expérience ma foi assez périlleuse sur la galerie arrière lors de ce si beau mais venteux jour, je vous conseille de bien choisir la location de votre photoshoot.

Étape 2: Savoir prendre des photos avec un appareil qui coûte cher.
Il est très difficile d'entreprendre une carrière de blogeur-DIY sans posséder de reflex à plus de 1000$. Un parent riche vous sera un atout. Piètre photographe, je sus par contre me racheter en réglant les balances de lumière sur Photoshop.

Étape 3: Une collation.
Les pommes sont très en vogue cet automne. J'en ai vu dans tout les sacs à lunch des designers de la NYFW/SS11.

Étape 4: Entreprendre son bricolage.
C'est comme vous voyez dans les photos! Il suffit de s'installer dehors, trouver des figurines trendy dans leur ironisme, et bien documenter chaque étapes du DIY.

Étape 5: Terminer son bricolage.
Voir ci-haut et ci-bas pour suivre pas à pas comment réaliser cette idée-déco originale. Plus vos acryliques sont de mauvaise qualité, plus vous devrez ajouter de couches de peinture.

Voilà!

‘Because Now I’m Worth it’, une brève étude de cas sur l’Effet Banksy

2011-09-09T12:59:00.001-04:00

Banksy est sans contredit l’artiste vandale le plus connu à travers le monde. On le traite de génie ou de vendu, mais son art ne laisse généralement personne indifférent. Connu pour ses pochoirs illégaux d’un rendu simple qui les rend facilement décodable, les thèmes abordés et l’humour employé par Banksy lui mérite le public international le plus large. À son accessibilité s’ajoute le facteur de mystère autour de l’artiste, toujours sous le sceau de l’anonymat, que les médias adorent accentuer. Depuis les dernières années, la popularité de Banksy a prit de telles proportions que le prix de ses oeuvres sur papier a connu une montée fulgurante. Il n’en fallut pas pour très longtemps avant que les opportunistes essaient de rentabiliser ses pochoirs de rue, petits et grands formats, illégalement ou illégalement.

De cette popularité croissante phénoménale, Banksy a réussit ce que bien peu d’autres artistes ont accompli avant lui : introduire à l’art un public novice. Pour un million de nouvelles personnes, Banksy fut la porte d’entrée pour intégrer l’art à leur quotidien. L’ Effet Banksy, c’est l’ouverture d’un nouveau marché, celui du street art, dans le monde des arts, mais c’est aussi la démocratisation de l’art, et une remise en question suivie d’une reconstruction de ses limites.

Une telle notoriété possède évidemment ses contreparties. Le street art détenait, depuis ses racines dans le graffiti, une qualité de mouvement rebelle souvent associé aux gauches politiques comme l’altermondialisme et l’anticapitalisme. Les acteurs de mouvement ayant développé un sentiment d’appartenance contre-culturel à leur marginalité, plusieurs ont fortement réagi à l’Effet Banksy palpable. Certaines de ses réactions se sont traduites en street art elles-mêmes. Comment ces membres de la communauté réagissent-ils à cette notoriété nouvelle? Les cas sont divers, mais leur existence propre pourrait être le symptôme d’une transformation profonde au sein du mouvement. Ces artistes, fans comme détracteurs, en répondant chacun à leur manière à l’Effet Banksy, sont à l’emblème même d’une période charnière pour le statut du street art et de l’art contemporain.

Sous-culture, contre-culture et hégémonie culturelle

Banksy.co.uk gift shop

Sous-culture et contre-culture sont l’un et l’autres des mouvements se distinguant du consensus culturel, ce conformisme de la ‘masse’ dominante. Dans son ouvrage de référence, Subculture, the Meaning of Style, Dick Hebdidge caractérise les sous-cultures comme des groupes s’identifiant en opposition à l’unité sociale tout en utilisant celle-ci pour en extraire des codes visuels qu’ils pervertiront ensuite afin de se les approprier. La contre-culture, quant à elle, n’emprunterait pas de codes sociaux puisqu’elle s’efforce à créer ses propres codes distinctifs, cherchant non seulement à s’identifier par opposition, mais à aussi changer activement cette culture de masse.

La ‘masse’ dominante exerce une hégémonie culturelle à laquelle la contre-culture, mais aussi la sous-culture s’identifient en contradiction. Selon Hebdidge, l’hégémonie culturelle est une situation où une alliance provisoire de groupes sociaux peut exercer une autorité sociale totale sur des groupes subordonnés. Si le capitalisme est un exemple d’hégémonie culturelle, le street art s’identifie alors comme contre-culture. La société capitaliste définit l’espace public comme une valeur monétaire où les publicitaires et les entreprises privées achètent le droit d’afficher dans l’espace public. En oppostion à cette norme sociale bien établie, les artistes de la rue, par souci d’exprimer une voix citoyenne authentique, artistique et parfois politique, contreviennent aux fondements capitalistes en perpétrant des actes illégaux d’affichage dans l’espace public. La notion d’illégalité et de réappropriation de l’espace public est intrinsèque à toute œuvre de street art, et certains artistes en font même le fer de lance de leurs revendications. De plus, le street art est un geste gratuit de l’artiste à son public, ce faisant, se plaçant en rupture avec l’hégémonie culturelle du capitalisme, où un tel geste aurait été structuré par une rémunération de l’artiste. On peut donc inscrire le mouvement street art comme une contre-culture activement à l’encontre du ‘gros bon sens’. Banksy affirme lui-même dans son film que ‘‘le street art est le mouvement contre-culturel le plus important depuis les punks’’, et reprend cette expression à maintes reprises lors d’entretiens de tous genres.

Banksy is a fucking sellout

extrait de Exit Through the Gift Shop, 2010

Le street art fait-il face à une récupération du système?

Is Street Art getting too mainstream? The aesthetics that you associate with street art might be getting mainstream but Street Art isn’t getting mainstream, there are very few people that are actually out there doing street art and taking the risk of getting arrested. (...) It takes people with a lot of dedication and persistence. -Shepard Fairey, extrait de Bomb it, 2007

Selon Fairey, le mouvement n’est pas dénaturé puisque les acteurs principaux sont toujours les mêmes. Son constat est clair : le public s’élargit et le marché s’approprie le style esthétique street art, mais cela ne contredit en rien l’objectif principal des artistes de rejoindre une plus grande partie de la population. Fairey possède probablement la réponse la plus mature par rapport aux changements en cours, car ses pratiques artistiques incorporent depuis longtemps la présence en galerie et la vente d’oeuvres originales, même s’il ne fait pas consensus.

À la défense de leur sentiment d’appartenance pour la contre-culture, plusieurs artistes ont réagi directement sur les murs à l'accroissement significatif du public du street art et à sa mise en marché, et plus particulièrement à la popularité phénoménale de Bansky. Above propose une réflexion sur la nouvelle valeur monétaire du street art. Le commentaire sur les récents évènements est clair. Depuis les dernières années, la valeur des œuvres de Banksy a tellement gonflé que les opportunistes n’hésitent plus à découper directement à même les murs pour s’emparer des pochoirs de l’artiste. Le rat, image emblématique de Banksy, se veut un symbole des classes urbaines défavorisées et oubliées. Sans pourtant le traiter de vendu, Above remet en question le rôle de Banksy comme porte-parole en laissant comprendre que sa cotation change la donne. Le commentaire de l’artiste souligne aussi l’absurdité de tels vols, et compare le vol à la pratique même du Street Art, en accentuant leur illégalité commune.

ABOVE, Paris, 2010

Banksy, 2005

Tout comme Above, la plupart des artistes qui répondent à la popularité de Banksy directement sur les murs proposent un commentaire sur l’argent, comme l’exemple de ‘Money Art’ inscrit directement sur un tag présumé de Banksy lui-même.

Banksy & Anonyme, 2010, Unurth

Mais les reproches peuvent aussi porter sur d’autres effets pervers de sa popularité. Enomek confie au site Brooklyn Street Art, à propos de ‘Stenciled Rat = Big Deal’, que le vedettariat de Banksy éclipse d’autres artistes importants. Le commentaire fait référence à l’utilisation des rats en pochoirs par Blek le Rat -- bien avant Banksy --, que malheureusement le grand public ne connaît pas autant. Comme il l’indique dans son entretient dans le web magazine, Enomek déplore le manque de sympathie des amateurs de Banksy pour les autres artistes de la rue, et le simple attrait marchand chez certains opportunistes plutôt qu’un intérêt authentique pour le Street Art.

Enomek, Stenciled Rat = Big Deal, 2011

Sur un ton plus agressif, le collectif Insurgency Inc offre un point de vue tranché avec ce collage. La figure féminine et le discours qui l’accompagne représentent le passage du street art au courant dominant. Le nouveau public attiré par Banksy est l’agent de ce passage. Une lecture au deuxième niveau permet d’associer le commentaire à l’opinion répandue que le mouvement artistique perd sa qualité de contre-culture en se tournant vers un public intéressé par le cool et orienté vers la marchandisation de l’art. La critique est dure, Insurgency Inc ne voit certainement pas l’Effet Banksy d’un bon œil.

Insurgency Inc. 2011

Tous les points de vue ne sont pas aussi sévères. Par exemple, la popularité de l’art subversif peut porter ses fans à participer activement au mouvement en mettant eux-mêmes la main à la pâte, comme l’on peut voir dans cet exemple photographié à Montréal, sous un viaduc, rue Christophe-Colomb.

Par écrit, la majorité des discours valorisent le travail de Banksy , mais sur les murs, la critique est plus mordante : la plupart des réactions sont négatives ou du moins critiques. Pourquoi ce manque d’empathie dans les œuvres et messages dans la rue, alors que les textes d’opinions favorables pullulent? Peut-être s’agit-il de jalousie ou de la peur d’une compromission? La jalousie d’un tel succès est certainement une bonne hypothèse à formuler, mais chose certaine, la communauté ne reste pas silencieuse face aux transformations en cours.

‘I Guess You Could Say I’m in Outside Sales’

L’artiste anglais est loin de rester passif face à cette situation, et on le connaît plutôt pour sa participation active à la critique de la dénaturation en cours, même s’il en est peut-être la principale cause. C’est d’ailleurs le sujet de son récent film Exit Through the Gift Shop, qui illustre parfaitement la manière dont le street art peut se dénaturer jusqu’à devenir complètement défiguré et vide de sens. Les deux facteurs principaux qui opèrent cette transformation de statut sont la popularité au sein du courant dominant et la marchandisation des œuvres, résultant en l’insertion rapide d’un nouveau protagoniste dans le monde des arts avec le sentiment d’avoir brûlé plusieurs étapes préalables. Selon cette analyse, le street art intégré au monde des arts est un street art ayant perdu toute authenticité, un mouvement qui n’est plus contre-culturel. Banksy soutient fortement cette position lors d’un entretient avec le périodique LA Weekly pour la parution de son film en 2010 : « Every decent counterculture gets turned into a commodity and served back over the counter. This film shows that process unfolding in real time, told in the words of someone partly responsible for screwing it in the first place». Banksy assume donc une part de responsabilité pour les effets pervers de sa propre popularité. Ce qu’il implique dans ce commentaire découle directement de la thèse de Andrew et Potter qui postule l’échec d’une contre-culture par sa récupération inévitable par le système capitaliste.

On peut aussi remarquer la présence de cette opinion dans plusieurs autres œuvres de son cru, dont cet exemple démontrant un gamin ayant peint les mots ‘This’ll look nice when it’s framed’. Banksy envoi ce commentaire directement aux voleurs de street art et aux marchands du monde des arts. Un message tout aussi critique et ludique que l’œuvre d’Above étudiée plus haut.

Conclusion

Dans Révolte consommée : le mythe de la contre-culture, Andrew et Potter mettent en échec tout les mouvements contre-culturels du vingtième siècle an affirmant que de s’identifier en opposition à la masse ne fait qu’encourager le concept de cool que le capitalisme aura tôt fait de récupérer afin de marchandiser l’image du rebelle. Plusieurs membres de la communauté street art et Banksy lui-même semblent appuyer ce point, en dénotant l’attrait de la culture de masse pour ce mouvement et sa récupération capitaliste actuelle. Cedar Lewisohn utilise aussi cette théorie pour expliquer le phénomène en cours avec le street art: « (...) as soon as the very marketing executives and advertising agencies against who the artists had been protesting caught up to the fact that street-art-style imagery had a hip-by-association rebelliousness attached to it, they started using the format to sell their products ».

Ce problème intrinsèque à tout mouvement contre-culturel est d’autant plus paradoxal pour le street art, puisque celui-ci cherche à atteindre un public général. Les artistes de la rue s’adressent bel et bien à la culture dominante, au citoyen moyen plutôt qu’à une sous-culture spécifique ou à un initié du monde des arts, mais refusent d’obtenir l’attention de la société marchande dans laquelle son public baigne pourtant. L’effet Banksy est un exemple parfait de ce processus en pleine action, et les diverses réactions des membres de la communauté street art sont là pour le prouver. Par chance, la plupart des artistes, notamment Banksy, traitent ce sujet avec tout l’humour qui leur est possible.

Source notables:

•Heath, Joseph & Potter, Andrew. 2006. Révolte consommée. Le mythe de la contre-culture Canada: Naïve. 431p.

•Hebdidge, Dick. 1979. Subculture – the meaning of Style. United Kingdom: Routeledge. 196p.

•MacDonald, Nancy. 2002. « Keeping its distance: The subculture’s separation from the Outside World’ » The Graffiti Subculture: Youth, Masculinity and Identity in London and New York. Palgrave Macmillan

•Lewison, Cedar. 2008. Street Art: The Graffiti Revolution. New-York, NY: Abrams.

•Reiss, Jon (réal.). 2007. Bomb it. Film documentaire. 1:33:43.

•Rojo et Harrington. Shepard Fairey: Too ‘Street’ for Corporate, Too Corporate For The Street”. In Huffpost Arts.

•The Wooster Collective. 2007. The Banksy Effect

Montreal Street Art

2011-09-02T13:26:00.000-04:00

Ontario, Centre-Sud

St-Laurent, Mile-End

Patrick Watson & the Wooden Arms + Timber Timbre + Barr Brothers @ Parc National de la Mauricie

2011-08-07T01:36:00.003-04:00

C'est peut-être être dramatique pour rien, mais ce show a dû être un des meilleurs de ma vie.

Dans le cadre du 100e anniversaire de Parcs Canada, Vendredi soir dernier, une foule mi-shawiniganaise mi-montréalaise s'est rassemblée autour de la minuscule scène installée en plein coeur de la plus belle Mauricie, expressément pour cette soirée inoubliable: le meilleur du folk-rock Montréal musical était au rendez-vous.

Non seulement Pat Watson est un artiste de scène complètement hypnotisant (pensez le classique rock star, mais aussi quelqu'un de très concentré sur sa musique), mais ses musiciens The Wooden Arms et autres amis des groupes Timber Timbre et Barr Brothers jouent avec une telle énergie- je devrais dire synergie-, que même les bonnes dames qui écoutent habituellement cité rock matante ne pouvaient pas s'empêcher de trouver le spectacle orgasmique, j'en suis sûre.

Les chansons des différents groupes ont étés jouées dans le désordre, plutôt que séparées par une première partie (toujours considérée moindre), ce que j'ai beaucoup aimé. Tout le monde sur scène participait. Durant le tiers du spectacle, tout le monde s'est regroupé autour d'un seul petit micro, avec son instrument de musique et sa voix et sa cigarette. Dans le public, on avait l'impression d'êtres invités à un jam entre amis dans un salon de musiciens, le genre de moment que la Blogothèque réussit parfois à nous communiquer mais qui est habituellement réservé à un petit nombre de chanceux témoins.

Mention spéciale au petit ricanement de Pat Watson entrecoupant pratiquement chaque chanson, même pendant The Great Escape.

photos 1, 3, 4 (c) Steph Dufresne

Et puis The Barr Brothers fut ma découverte musicale de la soirée. Coup de foudre immédiat, je n'attends plus que leur sortie officielle d'album en Septembre.

PAPIRMASSE: Art in the mail

2011-08-01T22:43:00.001-04:00

J'ai retracé les artistes derrière les très beaux exemples de wheatpasting que j'avais remarqué l'an passé autour de la main (voir en bas)! Ils sont tous membres de PAPIRMASSE, et tous amis du même coup (j'aurais dû m'en douter). Le gentil mec au Belgo m'a expliqué que les artistes ne sont pas nécessairement installés à Montréal, mais Kirten McCrea est originaire de notre Métropole et les collages urbains sont probablement de sont cru lors d'un de ses passages. Kirsten est aussi la fondatrice de PAPIRMASSE.

PAPIRMASSE est un concept simple mais tout à fait splendide. Pour un abonnement mensuel de 5$/mois, vous recevez une oeuvre d'art par la poste. D'impression de haute qualité, les formats varient selon l'oeuvre mais vous y trouverez toujours une illustration au recto, et une oeuvre littéraire au verso. Le seul hic, c'est que les grands formats (17"x11") sont pliés en deux, et rien ne garanti la délicatesse des postiers de Montréal malgré l'étiquette fragile. Tout de même, 5$ pour une belle impression, même pliée en deux ou aux coins un peu ramollis, je dis oui. J'aime d'ailleurs beaucoup le style général des artistes du collectif.

J'adore l'humour éditorial derrière leur initiative de démocratiser l'art contemporain de la relève. La mauvaise traduction française peut aussi en faire rigoler plus d'un: "On veut que tout le monde a d'art! - du vrai art! On n'aime pas de faux peintures qu'on achete chez IKEA ou de posters ennuyeux qui chaque étudiant affiche. Non! On veut que les images voyages. On veut que les gens s'excitent de regarder l'art. " Une chance que je les trouve beaucoup trop cutes pour m'indigner du piètre Français. Bob Dylan n'est pas près de décoller de mon mur, mais il peut partager l'espace avec de belles illustrations colorées. Et j'en connais une qui va apprécier les esperluettes de McCrea.

Dans les rues de Mtl. Illustrations Kirsten McCrea, Dietrich Rosteck & Alan Ganev

FRAGILE

2011-07-21T00:02:00.000-04:00

J'adore découvrir les nouveaux projets de Roadsworth. Il réussit d'ailleurs vraiment bien à vulgariser sa démarche artistique. Non seulement c'est un artiste qui malgré sa renommée internationale reste très humble et terre à terre, mais son discours sur l'évolution de sa pratique est tellement simple qu'on se demande pourquoi tout le monde se casse la tête à réfléchir sur être ou ne pas être "sell-out". Street art illégal ou installation gigantesque dans un centre d'achat, pour lui ce n'est pas la nature de l'oeuvre qui la définit mais plutôt le message qu'elle transmet. Ici, on parle d'écologie.

Hochelaga street art

2011-07-20T15:25:00.000-04:00

via Martin Lachapelle

Little Italy street art - What if Art ruled the world?

2011-07-17T02:08:00.001-04:00

Wheatpaste in Little Italy, St Laurent Blvd

Montreal street artist STIKKI PEACHES asks "What if art ruled the world?"
Is the answer a world dominated by Lady Gaga, Rick Genest and unicorns? I could get used to it.

How to sell a Banksy

2011-07-14T00:47:00.000-04:00

Ce sera sans aucun doute des plus intéressants!

Splitscreen: A love story

2011-07-04T16:59:00.002-04:00

Guerilla Gardening dans le Mile End

2011-07-03T01:09:00.005-04:00

Ça, c'est notre salon jardin coin Bernard et De Gaspé. On espère y récolter de belles grosses tomates d'ici la fin de l'été.

La chose: Une oeuvre pensée collective, sorte d'hybride contemporaine entre l'installation et le guérilla gardening
L'idée: Monter un salon ouvert dans un endroit urbain et désolé, y planter des tomates, des courges et des fleurs
L'idéologie derrière l'idée: Favoriser l'agriculture et l'alimentation saine et locale, réapropriation de l'espace public par des initiatives citoyennes, réflexion sur le rythme de vie urbain, réutilisation de meubles trouvés à la poubelle, créer un climat convivial dans un espace urbain oublié (...)
Le prétexte: Un concours du Crapaud de l'UQAM

sur la plateforme web la plus nice de Montréal: Le salon jardin | Ceci n'est pas une pub
le making of et les premiers résultats (ce sera toujours un chantier en construction, tel un vrai potager):

À peine quelques jours plus tard, on a de la visite de Marty: (mais il manque déjà quelques meubles)

Merci Marty pour la collaboration!

Pow Wow couleur

2011-06-23T14:37:00.001-04:00

Pow Wow noir et blanc

2011-06-22T16:20:00.001-04:00

petit hiatus

2011-06-05T20:40:00.002-04:00

le blog est en pause pour les deux prochaines semaines!

Le meilleur du street art en vidéo

2011-06-01T13:23:00.000-04:00

Parce qu'à chaque fois, un vidéo de making of, c'est vraiment intéressant à regarder. Une image vaut mille mots, et un vidéo c'est des milliers d'images avec des mots.

Veuillez installer Flash Player pour lire la vidéo

Interview de Kidult - Arts de rue

un dernier petit lol pour le roi du marketing:

Les autres billets contenant des vidéos:
Artiste à découvrir: ElSol25
Yarn Graffiti le documentaire
Rétrospective Street Art 2010
Artiste à découvrir: JR
Exit Through the Gift Shop sneak peak
Artiste à découvrir: Blu
SUHA

ARTUNG! l'art contre la pub

2011-06-01T12:26:00.004-04:00

ARTUNG!, c'est 200 participants, un projet d'art guérilla, un évènement de type flashmob, un rassemblement de montréalais qui en ont contre la pub, un mouvement de réappropriation des espaces publics par les citoyens. ARTUNG!, c'est une oeuvre d'art dans un panneau publicitaire près de chez vous. Le projet se préparait depuis quelques mois, j'avais hâte de voir les résultats. Bravo à tout les participants, c'est une vraie réussite.

C'est aussi un petit frère de Madrid Street Advertising Takeover, Toronto Street Advertising Takeover, et NewYork Street Advertising Takeover

La plateforme cecinestpasunepub.net (le site ne fonctionne pas avec Explorer) pousse le concept d'ARTUNG encore plus loin vers la participation active. En plus d'être vraiment complet sur la couverture de l'évènement, la carte interactive permet aux artistes et citoyens d'y rajouter l'empreinte de leurs futures interventions dans l'espace public. C'est donc un projet à long terme qui se dessine pour l'art dans les rues de Montréal. Selon moi, c'est là que nous nous démarquons des projets du même type des autres villes. C'est une belle invitation au réseautage.

**La revue de presse sur le site est bien complète, si vous voulez voir ce que les autres en ont dit/écrit

Quand jardinage, street art et activisme font la paire...

2011-05-26T12:42:00.003-04:00

découverte via The Groundswell Collective

Projet initié par Sean Martindale à Toronto

Vers la fin du post-modernisme...?

2011-05-23T00:24:00.000-04:00

Je suis partie sur une autre lignée:

Le vrai problème des hipsters et de la contre-culture, c'est que les initiés croient tous êtres dotés d'une unicité certaine. C'est là la plus grande faille du post-modernisme. Le manque de regroupement. Le manque de solidarité. Le manque de sentiment d'appartenance. Ça passe de l'artiste visuel contemporain inclassable qui suit sa propre démarche personnelle et ses propres questionnements personnels au jeune urbain qui croit être ''différent'' parce qu'il écoute des groupes de musique méconnus .

J'y suis arrivée à me dire qu'avoir le même style vestimentaire, copié collé à quelques morceaux vintage près, de plusieurs autres filles de mon âge, c'était en fait un point très positif. Je commence à rejeter l'importance de l'originalité pour le souci des intérêts et goûts communs. Enfin, peut-être, ce genre de pensée pourrait nous sortir du post-modernisme.

Montreal Street Art

2011-05-22T17:05:00.003-04:00

Yarn Bomb @ Mile-End

Varia @ Griffintown

Austra - Feel it Break

2011-05-20T21:40:00.001-04:00

Ça faisait un bout que je n'avais pas autant accroché sur un nouveau groupe. Je cherchais justement ce genre de synthé-pop pour faire du vélo sous le soleil de la nouvelle saison. Merci à la chronique mensuelle de Mode 34b: Dans mes oreilles, qui d'ailleurs propose souvent des morceaux éclectiques; je finis toujours par y trouver quelque chose à mon goût.

Austra est un groupe torontois, tout nouveau. Leur premier album Feel it Break est sorti ce mois-ci, et ils sont de passage à Montréal la semaine prochaine: Jeudi le 26 Mai au Il Motore.

Artiste à découvrir: Elsol25

2011-05-02T16:05:00.001-04:00

le processus créatif:

'' Brooklyn Street Art: You use many historical references, historical figures in your pieces. You put in faces of presidents and they are wearing panties and basketball jerseys and you mash up history with pop art and pop culture and it can be very humorous and intensively detailed.

El Sol 25: Yeah the humor is definitely from my mom and it definitely a direct response to a lot of the artwork that is out there. I mean I love anyone who is willing to go out and take the risk and express themselves but I’m a little more interested in people who are provoking thought and provoking an emotional response.
You can be like, “I’m badass. Check out how badass I am” but you are really only expressing one thing.

Brooklyn Street Art: Badassness?

El Sol 25: Yeah, and coming up as a graffiti writer I already experienced that. I already experienced feeling badass. “I just conquered that space! I’m badass!” But now I’m more interested in connecting with everyone, not just people in the graffiti scene or any scene. I love the idea of speaking to everyone. So that motivates the humor behind my work – take it a little seriously but not too serious.''

toute l'entrevue sur Brooklyn Street Art

Duchamp Reloaded Reloaded

2011-04-30T01:30:00.003-04:00

Coin Maisonnneuve & Saint-Denis. Pavillon des Arts de l'UQAM.
Quelle plus belle blague peut-on faire à une étudiante en histoire de l'art qui trippe street art, que ceci?

Explications:

La roue de bicyclette est une oeuvre ready-made de Marcel Duchamp qui date de 1913 (aujourd'hui au MoMA). Récemment, elle s'est vue réinventée par l'artiste de rue Ji Lee, voici une photo de son site:

J'ai une série de photos de cette oeuvre dans un de mes livres de street art, que je trouve dailleurs excellente surtout lorsque la "roue" est barrée en face de la porte du musée du MoMA (imaginez la tête des employés en la voyant). Alors je connaissais l'initiative de Lee, et j'avoue l'avoir trouvée si géniale que j'avais envie de faire pareil. Même pas besoin! Quelqu'un s'en est chargé pour moi. Et c'est devant ce clin d'oeil à Li qui est un clin d'oeil à Duchamp que je me suis retrouvée hier midi. Mais est-ce que l'artiste montréalais anonyme connais la version de Lee? Ou c'est un cas de hasard paradigmatique?

Toujours plein de questions avec le street art. Eh bien. Merci, Montréal.

"In 1913, Marcel Duchamp took found objects from the streets and placed them in museums. 96 years later, if Duchamp were alive, he may want to do the very opposite."

-Ji Lee

l'été chez Urban Outfitters

2011-04-29T00:21:00.000-04:00

Bill Cunningham NewYork

2011-04-28T18:06:00.001-04:00

Au Cinéma du Parc à partir du 29 Avril
Roxanne Hudon du Mtl Mirror en parle: ici

À défaut d'avoir un réel intérêt pour les tendances et de me considérer fashionista (ouache, dis-je dans ma plus grande simplicité d'esprit), j'affectionne la créativité des individus qui se démarquent par leur style personnel. Je crois que Bill est d'accord avec moi. Ce documentaire n'est PAS à propos des fashionistas, des it-girls ou des stars de cinéma. Anna Wintour a beau donner la catch-phrase de la pub du film (''we all dress for Bill''), elle est loin d'y être la star. Et ça fait du bien d'aborder ce monde de la mode si ellitiste avec un regard humain, touchant, sincère, esthétique, loin du cirque des rapports de pouvoir de popularité (quoique...).

Un film sur le vrai streetstyle, pas un film sur le fashion. Un film sur les individus d'une certaine classe sociale qui gravitent à NYC, certes, mais pas un film sur l'industrie de la mode. Un film sur la beauté des vieilles dames excentriques, un film sur la passion de son métier, un film sur l'art et la création, un film sur un homme ''comme on n'en fait plus aujourd'hui'', comme le dit si bien Hudon.

Sadness is a Blessing

2011-04-28T12:11:00.001-04:00

Je ne suis pas une fan finie de Lykke Li, mais en général j'aime beaucoup la manière dont elle se démarque des autres pop stars. Tarik Saleh réalise ici un très beau vidéoclip de près de 7 minutes, dans lequel la chanteuse partage l'écran avec l'acteur suédois Stellan Skarsgård.
Plus je la regarde, plus je la trouve vraiment jolie.

Artiste à découvrir: Kent Monkman

2011-04-28T00:32:00.002-04:00

Kent Monkman est un artiste contemporain cri basé à Toronto. Son oeuvre propose aux spectateurs des pistes de réflexion sur les questions de l'acculturation des Premières Nations, de leur assimilation politique par le gouvernement canadien, mais dérange aussi plus d'une vieille dame par son langage visuel souvent explicite sur la question du genre et de l'orientation sexuelle:

Kent Monkman est aussi Miss Chief Eagle Testickle, une drag queen qui revient sous toutes les formes (en peinture, en installation, en vidéo, en performance) ponctuer les sujets d'oeuvres de l'artiste.

Clouds in the Canyon, 30" x 40", 2008, h/t

détail:

Kent Monkman travaille ici sur la problématique de la représentation du faire-valoir, de la présence seulement suggérée ou sous-représentée des Premières Nations en peinture canadienne et américaine. Dans Clouds in the Canyon, la présence de ces Autochtones hors-norme n’est pas visible sur le tableau peint du jeune peintre, ils semblent être délibérément effacés du paysage. L’analogie avec la présence effacée des Autochtones dans l’histoire du continent Nord-Américain écrite par les Blancs est non-équivoque.
L’analyse iconographique complète de chacune des œuvres de Monkman peut être laborieuse, mais les questions qui découlent d’une observation réfléchie de cet exemple participent toutes à la problématique de la représentation autochtone. Monkman suit entre autres la même démarche que Brian Jungen dans l’affirmation au droit de l’autodétermination identitaire des Premières Nations, mais il critique aussi sévèrement les schèmes de représentations historiques de la présence autochtone en peinture.

Dans sa dernière installation vidéo créée pour l'exposition de 2011 à la gallerie Leonard et Bina Ellen à Concordia, Monkman reprend le rôle de Miss Chief Eagle Testickle sous la forme allégorique de Marie-Madeleine aux pieds du prince de Galles en visite au Canada. Si vous connaissez un peu votre peinture (ou histoire) de la bible, vous comprendrez que l'association est forte.

Sur cette récente exposition donc:

"La chevelure, un symbole de pouvoir, est le fil conducteur dans cette exposition. Deux allégories bibliques, à savoir le lavement des pieds du Christ par Marie-Madeleine et la trahison de Samson par Dalila, sont associées à la bataille qui a opposé les Français à la couronne britannique et à la visite du prince de Galles à Montréal en 1860. En utilisant le référent de la chevelure, Miss Chief évoque les rapports de trahison et d’assujetissement qui ont marqué les relations entre les Premières Nations et les colonisateurs européens.

Monkman revisite des événements historiques et des représentations culturelles de l’Amérique du Nord pour proposer des récits autres qui mettent à mal le discours de la civilisation et la philosophie des mythes de fondation. Il fait dérailler le discours colonial blanc en le renversant – c’est la très séduisante guerrière diva, Miss Chief, qui fait des ravages chez l’homme européen – au moyen d’une esthétique camp qui inscrit la sexualité et le désir au cœur de son projet critique."

du nouveau de Bon Iver

2011-04-14T12:22:00.002-04:00

Bon Iver, le seul groupe qui a réussi à me réveiller sans m'agresser chaque matin depuis au moins deux ans, travaille sur de nouveaux morceaux. Je suis vendue d'avance

Yarn Graffiti le documentaire

2011-04-13T23:23:00.001-04:00

reliés:
Tricot dans la ville

Papa Hobo

2011-04-07T01:59:00.000-04:00

Ezra Koening - Papa Hobo - Ceremony OST

métro Beaubien

2011-03-30T20:52:00.002-04:00

Portraits d'histoire de l'art : Guernica de Picasso

2011-03-18T23:49:00.004-04:00

« Dans la lutte actuelle, je vois, du côté des fascistes, les forces dépassées par le temps, de l’autre côté, le peuple dont la puissance créatrice est en train de donner à l’Espagne un nouvel essor qui étonnera le monde » - Joan Miró

Une oeuvre MAJEURE de l'art moderne du 20e siècle. Peut-être aussi une des oeuvres sur lesquelles on a le plus écrit. Si le sujet vous intéresse, c'est très facile de creuser très loin. Je vous en parle parce que The Sartorialist vient de publier cette photo, qui me rappelle encore une fois à quel point la mode et les beaux arts peuvent bien communiquer et s'entremêler (on se rappelle de la dernière collection de McQueen) :

Contexte historique et politique

En 1936 l’Espagne entre en guerre civile, le pays est plongé dans la violence et la peur. Dès lors, certains artistes s’exilent du pays pour fuir le chaos. La plupart du monde artistique reste en retrait et se mêle le moins possible au conflit. Mais certains d’entre eux, volontairement ou touchés malgré eux par la guerre, s’impliquent dans la politique. Entre autres, Masson, Miró, Dalì, Picasso, et autres artistes surréaliste jouent un rôle majeur de sensibilisation face à la situation critique du pays. À travers leurs œuvres avant-gardistes, et avec l’aide des affiches de propagande sur les murs de la rue, l’art des années 30 en Espagne est saturé de messages à diffuser.

La guerre civile était déjà bien entamée lorsque l’Espagne républicaine décida à la dernière minute de participer à L’Exposition Universelle qui avait lieu cette année-là à Paris. Plutôt que de se définir en tant que puissance économique comme les autres nations, elle choisi de présenter ses avant-gardes culturelles et artistiques sur le premier plan. Le pavillon, conçu par Luis Lacasa et Joseph Lluis Sert, contenait des œuvres notamment de Julio Gonzàlez, Alberto Sanchez Pérez, Alexander Calder, Joan Miró et Pablo Picasso. Le gouvernement républicain en place sentit le besoin de toucher l’Europe en faisant état des atrocités qui se déroulaient à l’intérieur de la nation. Ce fut un cocktail réussi de propagande à destinée internationale.

Le rôle primordial de la culture dans le combat de la République pour la liberté devait être explicite. Garmonal Torres développe l’importance de l’omniprésence du patrimoine lors de l’exposition: « For the Republic, Culture (with a capital C) was made the great totem on which a consciousness of unity was erected ending in an absolute identification of the terms, Culture and Republic » . L’effort de la part du peuple espagnol pour défendre leur indépendance et la paix à travers le monde fut mis de l’avant grâce à la forte rhétorique des propositions exposées. Le programme était varié, rempli d’œuvres locales et diversifiées, tant qu’elles supportaient formellement le côté républicain.

Un mois avant l’ouverture de l’Exposition, Picasso pensait encore exposer des toiles tournant autour du sujet du modèle et de son peintre, jusqu’au jour où la nouvelle du bombardement du village de Guernica se rendit à ses oreilles. La commande du gouvernement était simple mais claire : un tableau d’histoire de grand format, idéologique, légal et technique. Ni le sujet ni la forme ne furent imposés. Mais il est certain que Picasso était conscient du geste posé par la réalisation d’un tel tableau. Il dira plus tard à propos de Guernica: « La peinture n'est pas faite pour décorer les appartements, c'est un instrument de guerre, offensif et défensif, contre l'ennemi. »

Symbolismes
La signification profonde des éléments représentés a d’autant plus grande importance quand on connaît le nombre de dessins préparatoires produits et les changements rigoureux que subit la composition lors des différentes étapes de création. Par exemple, durant les premières ébauches, Picasso figurait au centre du tableau un poing fermé, bien levé vers le ciel en signe de révolte populaire. Que ce symbole de lutte et d’espoir finisse par disparaître totalement de la composition finale implique bien le désir de l’artiste à ne laisser aucune trace d'aspiration vers une victoire probable. Seuls le chaos et l’accablement restent, au milieu de cette guerre.

Le symbolisme derrière le taureau et le cheval a longtemps été discuté parmi les historiens de l’art, et même aujourd’hui le voile du doute n’est pas complètement levé. Picasso lui-même a affirmé vouloir représenter le peuple par le cheval, et la brutalité et l’obscurité par le taureau. Mais cette explication ne semble révéler qu’un seul niveau de lecture du tableau, et laisse libre à l’interprétation la vaste gamme expressive et symbolique de ces deux allégories.

Portée
La portée significative de Guernica ne fut pas en fait de représenter avec exactitude le bombardement du village basque. Il est clair que l’artiste n’est pas passé par les études historiques et géographiques du village et de l’événement pour arriver à sa représentation. Mais en intitulant son tableau de cette manière, le lien causal est direct, et laisse aussi la liberté au tableau d’évoquer une thématique plus globale et rassembleuse. Effectivement, la douleur humaine transposée dans ces corps endoloris, meurtris par un conflit interne inter-reliant dans sa composition fortement complexe ordre et désordre, construction et déconstruction.

Ce furent plutôt les intellectuels qui soutenait Picasso qui donnèrent à Guernica toute sa lancée politique, en exposant le tableau partout dans les grandes villes américaines, le profit envoyé aux réfugiés de la guerre civile situés hors du pays. La portée humaniste de la murale réussit à rejoindre les spectateurs, et rapidement elle devint un des forts symboles de la lutte contre le Fascisme, non pas par son contenu explicitement révolutionnaire, mais par son universalité touchante. La gauche politique revendiquait la diversité culturelle comme un joyaux à défendre contre l’autoritarisme, et dans cette optique il était aisé de rapproprier plusieurs formes d’art variées, dont Guernica, à sa cause. Évidemment Picasso entendait passer un message politique dans son œuvre, mais ce ne fut qu’avec l’engouement autour de celle-ci que ce fut vraiment possible, et malgré cela Guernica n’arrêta aucunement les violences faites durant la guerre civile, et ne pu empêcher les horreurs de la Deuxième Guerre Mondiale. On peut se souvenir comme anecdote, que lors du vote à l'ONU sur la résolution concernant la guerre en Irak en 2003, des représentants américains demandèrent de cacher une reproduction du tableau qui logeait sur les murs.

Le Keffieh Made in Palestine

2011-03-09T00:17:00.003-05:00

Lors de ma lecture d'un des anciens numéros de mon cher biannuel WORN, je suis tombée sur un article que j'attendais depuis longtemps. Je ne m'attendais pas à le trouver dans un magazine de mode. Merci d'exister, WORN. "Political Coverage The history of Keffieh and the effects of cultural outsourcing" se penche sur l'appropriation culturelle du foulard palestinien par les occidentaux à la recherche d'articles de mode, et sur la disparition de la production locale au profit de l'exportation chinoise moins coûteuse. C'est le seul qui traite autant du phénomène de mode (ammené par les hipsters ou les étudiants engagés? En tout cas dans mon milieu la réponse est claire) que du conflict de délocalisation de la production, et fait réfléchir sur la portée symbolique actuelle du port du foulard.

Je porte le même Keffieh depuis 2005, et pour moi son passage à travers le temps prouve que son importance symbolique a gagné sur l'industrie du marketing de la mode. Évidemment, le foulard reste un élément de style à proprement parler, et on pourrait presque dire qu'il fait maintenant partie intégrante de ma personnalité, mais là n'est pas sa fonction primaire. Malheureusement, je ne crois pas qu'il provienne d'une manufacture palestinienne (je doute même que l'on en retrouve à Mtl) mais au moins je ne l'ai pas acheté au Urban Outfitters.

Ici à droite je vous ai retrouvé un article que j'avais gardé d'une revue culturelle francophone à Barcelone (pilote urbain) en 2008, au moment du boom de la commercialisation du keffieh, qui trace les grandes lignes de l'arrivée du foulard sur les podiums signé Nicolas Ghesquière pour Balenciaga.

L'article du WORN pointe vers le court documentaire Made In Palestine heureusement disponible en streaming via une émission d'Al Jazeera. Plus bas. Les internets sont remplis d'articles d'opinion sur le sujet, mais le documentaire vaut vraiment le détour.

www.thekuffiehproject.org est le seul endroit où l'on peut se procurer un Keffieh made in Palestine, directement de la seule manufacture locale encore en fonction.

Les pronomades d' HELMO

2011-03-07T17:20:00.000-05:00

Les photomontages les plus inspirants que j'ai vu depuis longtemps.

''Helmo, c'est Thomas Couderc et Clément Vauchez.
Nous sommes graphistes. Nous concevons des affiches, des livres,
des signalétiques, des images, un peu de typographie...
Nous pensons aussi par moments des interventions a l'échelle du corps
ou de bâtiments... Le champ du graphisme est large.''

portraits d'histoire de l'art africain: Philippe Koudjina, photographe

2011-03-07T14:04:00.001-05:00

Voici des extraits du documentaire Photo Souvenir sur l'oeuvre d'un photographe qui n'a jamais réussi à recevoir de reconnaissance chez les européens. Le marché de l'art occidental (le marché africain étant quasi-inexistant) ne connait que deux noms de photographes africains (Malick Sidibé et Seydou Keita), alors que ceux-ci ne sont en réalité que des exemples parmis la multitude de pratiques similaires dans les pays sub-sahéliens. Malick Sidibé a reçu le Lion d'or de Venise en 2007, expose partout dans le monde et vend ses tirages pour des centaines de milliers d'Euros. Philippe Koudjina mendie à Niamey, aveugle et infirme.

Court exposé, je laisse le vidéo parler cette fois-ci.

À partir de la moitié du vidéo, vous comprendrez un peu mieux les machinations des marchands d'art pour créer une rareté qui ne reflète pas du tout la réalité des pratiques.

Artiste à découvrir: David Gomez

2011-03-03T14:24:00.001-05:00

ELLE Magazine - Michele Manceaux - Sept-15-1966

David Gomez est un illustrateur et photographe barcelonnais. Son coloriage enfantin géométrique sur des figures iconiques de magazines et pochettes de vinyls est inspiré de l'unicité et l'individualité tribale. Un peu LadyGaga-esque? C'est à mijoter. Quoi qu'il en soit, je crois que personne ne peut résister à l'appel des triangles fluos depuis quelques temps. Voici la belle découverte de la semaine via le blog de NastyGal (qui l'aurait cru?)

BROS - The Time - Recorded at Sarm West studios - London - 1989.

Paris Match - Sophie Lauren. 1955

Paris Match - Audrey Hepburn - 1955

Nuit blanche - Art souterrain

2011-02-27T14:14:00.002-05:00

Portraits d'histoire de l'art autochtone : Les faux visages iroquois

2011-02-26T15:48:00.007-05:00

Reconstitution historique (pour un public touristique?) de la cérémonie du solstice d'hiver dans une maison longue Onondaga

Parce que l'histoire de l'art ne doit pas seulement tourner autour de la peinture européenne ou de l'art contemporain. Ces masques dont je vais vous parler, confectionnés traditionnellement dans le plus grand respect de la spiritualité iroquoise, sont aujourd'hui source de grande controverse. Il est intéressant de s'intéresser d'une part aux masques en tant que tels, magnifiques, d'une autre part aux revendications autochtones les concernant: (ben oui, ce texte fut rédigé dans un but académique pour un travail universitaire de sciences politiques/histoire de l'art. copyright LDT automne 2010) *Toutes les images proviennent de recherches Google Images très simples*

La société secrète des Faux Visages est un élément culturel fondamental de l’identité iroquoise en Amérique du Nord. Ces pratiques chamaniques sont depuis toujours au centre des traditions sociales, mais aussi curatives de ces peuples autochtones. Les masques confectionnés et utilisés aux fins rituelles, caractéristiques de leur grande théâtralité et propriétés esthétiques évidentes, ont rapidement fait l’objet d’intérêt pour les collectionneurs et amateur d’art. Ainsi, depuis la colonisation, certains de ces masques se sont retrouvés, de manière plus ou moins discutable sur la question du respect, dans les mains d’individus privilégiés puis plus tard remis aux musées.

Depuis lors, les premières nations s’organisent en groupes de pression pour revendiquer l’autonomie culturelle et le droit de déterminer seuls ce qu’ils feront de l’image publique de celle-ci. Certains traditionnalistes demandent le retrait de chaque image des masques considérés sacrés et secrets, de plus que le retour de ces masques des musées et collections aux mains iroquoises. Plusieurs leur répondent et défendent le droit universel de l’accès à l’information, l’éducation, et cherchent plutôt des terrains d’entente possibles.

Contextualisation en résumé

Les Iroquois devaient pallier avec le spectre universel de la maladie. Mais ils ont su développer la structure sociale complexe d’une société secrète : protectrice, guérisseuse, porteuse de la spiritualité de la communauté, inclusive lorsque nécessaire. Les rituels de guérison prenaient part la nuit, alors que chaque membre jouant un rôle étaient masqués. Les acteurs de ces sorties nocturnes portaient ces masques non pas pour cacher leur identité, mais plutôt pour revêtir le rôle spirituel qui leur était attribué ce soir-là. Les invitations à devenir membre passaient par le biais des rêves, où l’esprit originel du Faux Visage leur apparaissait, toujours sous la forme d’un visage contorsionné de grimaçes, et leur commandait de graver son effigie dans le bois d’un arbre. Suite à la réussite d’un rituel guérisseur, le chanceux rétabli pouvait lui aussi rejoindre les rangs. Les femmes n’étaient pas admises au sein du groupe, mais elles tenaient le rôle de gardiennes du secret.

Ces masques étaient au centre de l’action théâtrale des rites, et leur force spirituelle était considéré d’une telle ampleur qu’elle pouvait devenir dangereuse. Du fait que le visage ait été gravé à même un arbre vivant, celui-ci était considéré vivant et nécéssitait certains soins particuliers afin de ne pas attiser la colère de l’esprit. On devait, par exemple, inspecter ses cheveux, le nourrir et lui parler régulièrement. En aucun cas on ne devait échapper un masque, et ceux-ci devaient être rangés face contre terre. Selon les superstitions religieuses, si ces précautions n’étaient pas prises, un grand vent pouvait s’abatre sur le village, ou un individu de la communauté pouvait tomber malade, par exemple.

Les premières réactions des historiens d’art et des ethnologues face à ces masques furent de tenter une ordonnance par typologie formelle. Selon les témoignages des rituels et les observations sur les variations de grimaces, les spécialistes groupèrent les masques en classes plus ou moins puissantes au sein de la société secrète. Il n’est en vérité rien de vrai dans ces démonstrations. Les Iroquois n’ont jamais différencié les masques sous aucune catégorie, et ceux-ci ne pouvaient gagner de la puissance qu’avec leur expérience personnelle de rituels réussis. Les attributs formels telle une certaine déviance de la bouche vers la gauche ou un front plus plissé, la couleur ou quelconque attribut physique n’ont donc en aucun cas été facteurs de classification au sein de la société secrète. Les masques sont plutôt considérés comme des individus à part entière, des esprits vivants, évoluant selon leur vie propre.

Ce n’est pas avant 1905 que l’Occident appliqua le terme même d’ art aux productions indigènes et africaines, avec la découverte d’une part des peintres cubistes pour les collections du musée de l’homme au Trocadéro, et d’autre part les publications de l’anthropologue Franz Boaz et son intérêt pour l’art indien de la côte Nord-Ouest du Canada . Ce qui veut dire qu’avant cette date, donc tout au long des étapes de la colonisation de la Nouvelle-France puis de la nouvelle Angleterre, les premiers occupants européens ne concevaient aucunement qu’il y ait même présence d’arts amérindiens. L’intérêt occidental pour ces productions devint aux débuts du 20e siècle pour le moins celui de l’exotisme curieux. Les divers objets, souvent au départ pillé, volé, ou acheté sans regard pour leur réelle valeur, passeront ainsi dans les mains des collectionneurs puis présentées au public ignorant ni de la provenance, ni bien souvent de la fonction même de ces objets.

Il faut saisir l’ampleur de la signification de cette donnée primordiale : il n’y avait pas à proprement parler de mot pour « art » en langue indigène avant les premiers contacts. Non pas qu’il n’y avait pas présence d’art ou d’artisanat, mais plutôt qu’il était intégré à la vie d’une telle manière qu’il en était indissociable. Le concept de l’art autonome ne servant que lui-même (l'art pour l'art) leur était complètement inconnu, et encore à ce jour n’est que très peu exploité chez les artistes contemporains, par souci de tradition culturelle.

L’univers est spirituellement conceptualisé par un grand cercle chez les premières nations. L’ordre naturel des choses est donc vu comme non hiérarchique et inclusif . Les plantes comme les minéraux ou les êtres humains sont interreliées sur le même pied d’égalité, tous ayant leur place dans le Grand Cercle. L’art, dans cette conception du monde, fait partie intégrante de la vie et ne possède ni statut surélevé ni minoritaire. Il possède de ce fait une fonction rassembleuse, sorte de ciment social, et participe de la communauté. Ainsi l’art est une composante sociale intrinsèque à la spiritualité, plutôt qu’un objet de valeur, de rareté ou de contemplation. Cette distinction fondamentale avec notre vision occidentale de l’art est à la base des facteurs créant ces conflits éthiques sur la manière de disposer de ces objets d’art.

Prendre position dans le débat éthique

Après avoir placé quelques éléments contextuels sur le conflit éthique, regardons ce qu’il en est du réel problème entourant les objets d’art amérindiens dans les musées occidentaux. Comme nous l’avons vu précédemment, l’art autochtone est encore aujourd’hui trop souvent considéré comme et nommé de primitif. Au-delà des préjugés du spectateur non averti sur la « sauvagerie » de l’artisanat et des objets de rituels, les spécialistes du milieu n’ont pas non plus carte blanche. Les historiens d’art et conservateurs de musée regardent et jugent cet art à travers le prisme de leurs catégories sans se soucier de l’esprit et de la fonction originale qui a orienté sa production, et sa fonction . Ce qui en résulte, fort souvent, d’une mise en exposition qui accentue la vision exotique, mystérieuse, folklorique de ces productions, les laissant à la classe de sous-art, simples curiosités. Au musée du Quai Branly à Paris, les objets sont disposés dans les vitrines par rimes formelles et non par fonction, ce qui nous donne, par exemple, une présentation de lances, pagaies, cuillères de bois et instruments de musique sans pratiquement aucune explication sur la diversité des objets exposés. Le spectateur est invité à regarder de belles choses colorées et non en apprendre sur la culture d’origine. La question se pose par rapport aux acquis dont le spectateur pourra bénéficier à la sortie de sa visite sur ses connaissances de la réalité amérindienne. Comment, un objet qui est de prime abord défini par sa fonction sociale, peut être exposé en tant qu’oeuvre autonome, sans commentaire ou explication de la part du musée? Et de plus considéré essentiellement pour son apparence folklorique, rehaussée par un éclairage dramatique? Il en va de soi que plusieurs connaisseurs et autochtones s’insurgent de cette situation, qui est pourtant la norme en institution blanche. Selon Anne-Marie Sioui, il est impératif de contextualiser les arts autochtones en musée :

« Tiré de son contexte original et placé dans un musée, l’objet amérindien devient perméable à toutes sortes d’interprétations qui risquent de fausser notre perception des autochtones et de leur culture si les organisateurs n’apportent pas à la préparation de l’exposition le temps et les soins appropriés ».

À cette absence de considération pour l’origine de l’objet chez la plupart des commissaires d’exposition et conservateurs, il faut ajouter l’absence d’avis des premiers concernés sur leur propre culture, puisque ceux-ci ne sont jamais ou très peu consultée dans l’élaboration d’une exposition .

C’est dans ces conditions que les peuples autochtones posent leurs discours revendicateurs par rapport à ces objets en musée. Dans l’exercice de leur droit à l’autodétermination et à l’autonomie culturelle, les peuples autochtones revendiquent de pouvoir disposer librement des objets de leur culture.

Position de retrait

D’un côté, certains autochtones traditionalistes demandent le retrait immédiat et sans compromis des masques des institutions publiques et collections privées afin qu’ils soient retournés en réserves indiennes. Ils considèrent que d’aucune manière un non-membre de la société secrète ne puisse avoir le droit de posséder un de leurs masques. La position officielle du Grand Conseil Haudenosaunee est publiée sur leur site internet depuis 1995 : « No institution has the authority over medicine masks, as they are the sole responsability of the medicine societies and the Grand Counsil of Chiefs. The public exhibition of all medicine masks is forbidden » . Cette affirmation résume bien leur position radicale, n’offrant aucune terre de compromis pour les institutions muséales à charge pédagogique. Le communiqué continue en affirmant que l’image même des masques, due au caractère sacré des faux visages, ne peut être utilisée pour une autre raison que sa fonction intentionnelle, sous toute réserve de la société secrète. Aucun masque ou représentation sous quelconque forme des esprits des faux visages ne peuvent voir le jour ou ne peuvent êtres utilisés par un non membre de la société. La commercialisation de ces images est tout autant proscrite, considérée comme une exploitation importune de la culture iroquoise, voire un viol. Les répliques à destination touristique sont tout autant proscrites : « To subject the image of the medicine masks to ridicule or misrepresentation is a violation of the sacred functions of the masks » .

Cette position tranchée défend les droits de l’autodétermination culturelle à son extrême, alors qu’aucun non iroquois ou même membre extérieur à la société secrète ne peut interférer. La préservation des traditions ancestrales est le fer de lance de ces protecteurs radicaux. Ils appellent à un respect de leurs valeurs, afin de ne pas interférer avec la liberté culturelle des communautés haudenosaunee. La protection du caractère sacré et le secret des masques est de toute première importance, et le respect le plus extrême est demandé face à la diffusion de ces objets et de leurs images.

Position d’affichage

Ces positions ne font par contre pas consensus parmi les nations iroquoises. La plupart des artistes confectionnant des répliques de masques destinés au marché de l’artisanat et du tourisme sont effectivement iroquois eux-mêmes, et sont tout autant appuyés par plusieurs leaders autochtones.

Sur le site transactionnel d’une compagnie offrant plusieurs objets exotiques de toutes sortes incluant des masques des faux visages, il est possible de lire une lettre publique d’un chef Cayuga à propos du travail des artisans de ce marché particulier . Il s’oppose à la revente des masques sacrés ayant déjà été utilisés par la société secrète ou ceux confectionnés dans ce sens, mais ne condamne pas une production destinée à ce tout autre public que sont les collectionneurs de curiosités. Cette différenciation n’est pas faite par les revendicateurs du retrait de toute image des masques ailleurs qu’à l’intérieur de la société, mais le chef Jacob E. Thomas affirme : « The masks that I carve are not "blessed" nor given any power for healing, and there is nothing wrong to sell these masks » . Son argument de taille est qu’il est préférable pour un artiste de subvenir aux besoins financiers de sa famille à travers ses talents et la vente de son art que de bénéficier de l’aide sociale ou de voler pour survivre. Selon lui, la culture iroquoise mérite d’être partagée et diffusée sans cela elle disparaîtra.

Du côté des intellectuels, amérindiannistes et historiens d’art, les opinions sont variées, mais tendent vers une diffusion de la culture faite de manière respectueuse plutôt qu’un retrait total des masques de l’image publique. Joanne Dandford argumente un texte autour de l’authenticité des multiples niveaux de représentations des faux visages. Le visage sous forme de rêve étant le premier niveau sacré, il ne peut être partagé et réside dans l’imaginaire spirituel de chaque individu membre. Le second niveau est celui gravé dans l’arbre par le membre initié, qui en résultera du rôle de faux visage interprété par le sculpteur lui-même. Ce niveau est autant sacré et mérite total respect des conventions, c’est-à-dire le secret et la conservation traditionnelle en communautés autochtones. Le troisième niveau est celui qui ne mérite pas d’être considéré sacré, tant il est décontextualisé de son milieu originel : le masque en musée, la photographie ou la réplique en marché. Dandford argumente cette décontextualisation ainsi :

« The False Face displayed in a museum, or a commercial art gallery, or reproduced in a monograph, suffers a dilution of its original power because its power is being used to chieve something originally alien to it and to its purpose as a part of a curing ceremony » .

Selon la fonction actuelle de chaque masque et de leurs reproductions, il serait alors moral de les présenter au public et de faire le partage de leur image, tant que ce ne soit pas de réels masques utilisés à ce jour par la société secrète. Le respect d’une culture se concrétise de plusieurs façons, et l’absence d'interaction avec celle-ci n’est pas la seule option à envisager, en conclut Dandford. Examiner le faux visage en tant qu’objet d’art derrière une vitrine en vide l’objet de toute connotation ou contenu sacré.

Compromis possibles

Afin d’offrir le meilleur exemple de respect envers les cultures autochtones et la pérennité de leurs traditions religieuses, il est possible d’établir plusieurs stratégies de compromis quant aux masques et à leurs reproductions. La plus intéressante étant d’établir des partenariats entre les musées et les communautés autochtones. Déjà plusieurs institutions canadiennes telles le Museum of Anthropology ou le Royal Museum of British Columbia ont passé des accords avec les artistes créateurs des masques pour que ceux-çi puissent les emprunter à des fins rituelles . D’autres conservateurs décident de respecter le caractère secret des masques en apposant un rideau autour de l’oeuvre, qui toutefois peut être soulevé afin d’observer le masque en plus grande intimité.

D’autres institutions ont décidé, suite aux demandes des communautés iroquoises, de retirer les masques de leur collection ainsi que du catalogue. Nous pouvons mentionner à titre d’exemple le Musée McCord à Montréal, ou le National Museum of the American Indian à Washington DC, qui tout deux possédaient une grande collection de masques. Parmis les institutions ayant décidé de retiré les objets et images de l’espace publique, il est à noter que certains ont redonné les masques, alors que d’autres les ont gardés.

Le terrain le plus connu reste celui du partenariat. De plus en plus de commissaires font appel aux premières nations afin de mieux représenter la nature et les fonctions des objets d’art lors des expositions, en gardant le souci du respect de la culture.

De plus, les communautés autochtones s’organisent pour la protection de leur patrimoine, et des initiatives de musées tenues par les réserves autochtones voient le jour au Québec, seulement pas encore chez les Iroquois. Une exposition de masques des faux-visages tenue par des Iroquois serait-elle possible comme la recréation des rituels sacrés pour un public touriste l’ont été? Serait-ce éthique? Serait-ce accepté par tous?

Conclusion!

La culture iroquoise est encore bien vivante. Les traditions ancestrales sont perpétuées à travers les nouvelles générations soucieuses de voir leur identité culturelle transcander le temps. La société secrète des faux visages n’a plus l’ampleur qu’elle avait autrefois, mais elle réussi toutefois à survivre, et des rites curatifs sont aujourd’hui encore perpétrés.

C’est dans cette optique que les masques sacrés sont revendiqués par certains traditionnalistes, alors que de leur côté les musées défendent l’accessibilité à l’information et l’histoire, et se soucient de l’archivage adéquat de certains spécimens. La solution à cette polémique est celle de la conciliation entre les deux parties afin que chacune s’ajuste à l’objectif commun de la perrennité de cet art des masques. Les possibilités d’accommodement et d’entente bilatérale sont infinies, il suffit de rester ouvert au discours de l’autre.

Les accords de prêts à long terme des institutions blanches aux nouveaux musées autochtones sont un excellent exemple de concilliation respectueuse de la part des deux camps. Le retrait total de toute représentation figurative d’un faux visage et le retour immédiat de tout les masques aux mains des communautés iroquoises est une position qui ne prend pas en compte l’envergure d’un tel projet (à l’ère du web 2.0), et qui refuse de partager les savoirs et connaissances traditionnels. De l’autre côté, les musées doivent évoluer pour agrandir considérablement la place décisionnelle des premiers peuples quant à la disposition des objets de leur culture. L’objet d’art autochtone n’aura jamais réellement sa place derrière une vitrine, sa fonction primaire lui en empêche, mais il y a certainement place à amélioration dans sa mise en exposition, afin d’accentuer le caractère pédagogique de celle-ci.

Sources:
(malheureusement je n'ai jamais réussi à mettre la main sur LE livre de William Fenton.. très dommage, mais ce n'est que partie remise)

✫Ames, Michael M. 1988. « Proposals for improving relations between museums and the indigenous peoples of Canada » En Ligne. Museum Anthropology. Vol. 12, num 3, pp. 15-19.

✫Blau, Harold. 1966. « Function and the False Faces : A Classification of Onondaga Masked Rituals and Themes » The Journal of American Folklore. En Ligne. Vol. 79, No. 314, Pp. 564-580.

✫Danford, Joanne. 1989. « Will the real False Face please stand up?» En Ligne. In The Canadian Journal of Native Studies. Vol IX, 2 pp. 253-272

✫Fournel, Louise. 1992. Art Mowark 92 : Spiritualité de l’art amérindien. Montréal : UQAM. 31p.

✫Furst Peter T. et Jill L. Furst. 1982. « Arts of the Eastern Woodlands » North American Indian Art. New York : Artpress Books. pp.205-229.

✫Gagnon, François-Marc. 1984. « Chapitre VI : L’art » Ces hommes dits sauvages. Éditions Libre Expression 190p.

✫Mongelon, Alex. 1994. People of Many faces : Masks, Myths & Ceremonies of the Iroquois. Lakefield, On : Wapoone publishing. 60p.

✫Rogers, E.S. 1966. The False Face Society of the Iroquois. Toronto : Governors of the University of Toronto. 17p.

✫Grand Chef Shenandoah, Leon. 1995. The Haudenosaunee Policies on False Face Masks.

✫Sioui, Anne-Marie. 1979. « Les Amérindiens et les musées du Québec : bilan de la situation actuelle et perspectives d’avenir » Recherches amérindiennes au Québec. Vol VIII numéro 4. Pp. 249-265.

✫Chief Tomas, Jacob E. Iroquois False Face Mask Controversy.

Artiste à découvrir: Bjorn Copeland

2011-02-17T13:14:00.015-05:00

Découverte via ItsNicethat, Bjorn Copeland est un artiste newyorkais actif depuis au moins une dizaine d'années. J'aime beaucoup ce genre d'esthétique mal-de-tête/pixels/cadavre-exquis/fluo. L'utilisation des carreaux me font penser à un mur de métro ''gone wrong''. Si seulement..

Nowhere near here

2011-02-16T12:52:00.003-05:00

Le street art se développe sous des formes hybrides de plus en plus originales. Voici le résultat de plusieurs plusieurs plusieurs heures de travail, on peut dire que ça en a valut la peine!

If life is a catwalk, run like a dog.

'Nowhere Near Here' is a stop motion animation that uses a combination of light with stencils and long exposure photography to tell the story of a dog running around the city at night, doing whatever a dog does. The animation was first exhibited at the The Herbert, in Coventry, on the 7th October 2010.

With well over 300 hours in the making, more than 200 stencils involved and too many cold nights spent outside on my knees getting the shots, I am very happy (and relieved) to finally share this with you. Through the course of shooting 'Nowhere Near Here', I have dealt with curious drunks, a dog almost peeing on the camera (the irony is not lost on me, haha), the endlessly suspicious police and even someone nearly running off with a tripod.

This is street art, this is life and thank you for watching.
Animation by Pahnl

Les manteaux Inuits

2011-02-03T15:13:00.007-05:00

Les premiers peuples ont beaucoup à nous offrir de leurs talents en artisanat. J'avoue, c'est la mode des manteaux Inuit dans le mile-end, j'en veux un. À défaut d'avoir le mien, je partage quelques photos d'archives d'un atelier d'artisanat à Fort George ( maintenant Chisasibi, la seule communauté où Inuits et Cris cohabitent (officiellement) au Québec) en 1977:

Un jour à une manif pour Copenhague, j'ai vu une autochtone portant son bébé dans son dos, et les deux étaient entourés du même col de fourrure gigantesque (le bébé dans le capuchon, en fait), et je les ai trouvés magnifiques. J'ai du raconter cette histoire mille fois déjà, mais je crois qu'elle me représente un peu.

Et d'autres petites merveilles:

Werther, L'interdisciplinarité des arts et l'Opéra de Montréal

2011-01-24T16:58:00.007-05:00

Werther, opéra de Jules Massenet composé vers la fin du 19e siècle, est une adaptation lyrique du roman épistolaire de Goethe Les souffrances du jeune Werther. La trame scénarique est toute simple: Malgré que Charlotte soit promise à Albert, le jeune poète Werther tombe éperdument amoureux d'elle. Ne pouvant vire en la sachant auprès d'un autre, Werther se suicide tragiquement. Fin.

L'Opéra de Montréal a choisi de nous présenter en ce moment la version pour baryton dans le contexte d'une Europe résolument moderne et bourgeoise des années 20.

Personellement j'ai connu Werther au travers des Fragments d'un discours amoureux de Barthes, qui cite abondamment Goethe, et considère un peu Werther comme le symbole même du discours amoureux. De mon impression générale, le roman se concentrait sur les états d'âme du poète alors que Massenet aurait plutôt décidé d'augmer la présence et le rôle de Charlotte, ce qui à mon sens dévalorise un peu l'intérêt du monologue romantique de l'âme en peine pour tendre vers une histoire d'amour impossible avec sensation de déjà vu. Dans le même sens, mon esprit avait imaginé une Charlotte toute petite et rousse, en robe de campagne fleurie. J'ai eu quelque mal à accepter la version de Michèle Losier en robes toujours très sombres, de même que son interprétation lyrique ne m'a pas convaincue autant que celle de Phillip Addis dans le rôle de Werther. L'OSM a quant à lui livré une performance des plus convaincante à mon sens. Je ne me considère par contre pas vraiment apte à juger des talents de chant au niveau professionnel, je m'en tiens aux visuels.

Ce qui est des plus intéressant avec cette production (qui roule jusqu'au 3 Février à la PdA), à mon avis, c'est l'effort de la part de notre institution montréalaise de donner une place importante à l'interdisciplinarité. L'opéra de Montréal a acheté la production australienne (donc tout n'est pas made in Qc, bien au contraîre) sans costume délibérément afin d'engager un designer local. Leur choix est tombé sur Sabrina Barilà, conceptrice des vêtements derrière la marque du même nom.

Le concept d'oeuvre d'art totale (Gesamtkunstwerk), issu du mouvement romantique du 19e siècle en Allemagne, est pour moi et ce blog une source d'inspiration continuelle. Wagner a nottamment développé cette idée sous la forme d'opéra, où se produiraient arts visuels et architecture pour les décors, arts textiles et mode pour les costumes, chant, danse, mise en scène, orchestre, tous dans le but commun de créer une oeuvre ultime, englobant toutes les formes possibles d'art. On pourrait dire que c'est le concept à la base même de l'interdisciplinarité en arts, fondateur de l'hypermodernité contemporaine, et fil conducteur de certains grands mouvements du 20e siècle comme l'école du Bauhaus.

Je félicite donc l'Opéra de Montréal qui a, non seulement favorisé la mise en valeur de nos talents locaux, mais aussi fait un pas de l'avant pour nous présenter une oeuvre ''totale'', raffinée sur plus d'un plan. Sabrina Barilà a selon moi fait un travail exemplaire de costumière. J'aurais voulu savoir si sa recherche historique avait été longue et ardue, ou si plutôt la designer s'était laissée aller à une interprétation libre, mais du coup j'ai trouvé les costumes d'une grande élégance: simples et évocateurs de la mode de ces années folles.

Les deux entractes ont permis plusieurs changements de costumes et de décors entre les cinq actes de l'opéra. Le troisième acte reste mon préféré, où nous avons pu voir défiler manteaux et chapeaux portés par les plusieurs figurants et personnages, de même que les éléments minimalistes de décor évoquant l'automne grisâtre et ses touches de couleurs occasionnelles (fond blanc, peu d'éléments de décors, mais quelques feuilles rouges par terre). Bien que je notai au total quelques incongruités dans les décors (relevés par Claude Gingras dans sa critique), le visuel était somme toute très agréable.

Merci à l'Opéra de Montréal, qui m'a permis d'assister à la première de la production Samedi dernier.

***L'Opéra de Montréal offre spécialement des billets étudiants pour la modique somme de 30$. Si la diversité des spectacles vous intéresse, et vous avez une petite place dans votre coeur pour les âmes sensibles, je vous conseille d'essayer l'opéra. Ça fait changement de Chromeo au Métropolis.

My culture is not a trend

2011-01-18T00:49:00.106-05:00

On est tous remplis de contradictions. Je viens de m'acheter un vieux manteau en laine à motifs géométriques d'inspiration Navajo en même temps que je passe un temps fou à lire sur les appropriations culturelles de l'occident envers "l'esthétique indienne" comme sur ce blog ou celui-ci ou bien encore ici.

La mode contemporaine nage dans les appropriations culturelles de toutes sortes. Du chapeau en fourrure russe au keffieh palestinien, du symbole sacré au motif le plus insignifiant pour la culture d'origine. La plupart ne posent pas (ou plus) de problème éthique (je pense aux tatoos, par exemple), mais d'autres formes d'emprunts méritent un questionnement éthique. Je m'intéresse au cas de l' ''esthétisme'' des autochtones de l'Amérique du Nord.

Ceux qui me connaissent savent que j'apprécie beaucoup apprendre sur les cultures différentes, autant opposées, exotiques, ou connexes à la mienne soient-elles. C'est par curiosité humaine. Et si je porte le keffieh depuis cinq ans, c'est parce qu'un jour j'ai lut tout ce qui m'est tombé sous la main sur le conflict israelo-palestinien et j'ai décidé de prendre position, pas parce que l'autre gars à côté de moi à l'école avait l'air cool avec le sien (ou pour être bien honnête, même si l'honnêteté c'est pas vraiment populaire sur la toile, un mélange des deux). Mais l'important est que je ne suis pas neutre au fait que mon emprunt se doit d'être fait d'une manière respectueuse. Va de même pour les cultures autochtones.

J'ai une très bonne base de connaissances sur la question des Premières Nations, et en présente formation académique. Si on prend l'exemple des imprimés navajos à la mode, eh bien théoriquement le tissage traditionnel pour ces peuples ne contenait pas de fonctions sacrés, et les couvertures servaient à l'usage pratique de se vêtir. Je ne vois pas le mal de reproduire ces motifs, tout comme on reproduit les motifs africains. Pour ce qui est par contre des coiffes de plumes portées par les modèles dans les photoshoots, ce n'est pas fait avec le respect nécessaire puisque ce sont en fait des apparats spéciaux réservés aux leaders de guerre ou aux hommes haut-placés. Les traditions autochtones ne sont pas mortes, contrairement à ce que nos livres d'histoire pourraient nous faire croire, et les objets sacrés d'hier sont encore sacrés aujourd'hui. Je ne suis pas la référence en matière de coiffes mais les blogues tenus par des autochtones leur portent beaucoup d'attention. Allez lire.

Ce que je viens de vous écrire, c'est une justification? Peut-être un peu, mais c'est surtout un point de vue. Et une manière d'aborder la mode. Avec conscience et respect.

Alors d'un côté dans le débat, il y a les revendicateurs de leur culture qui souvent demandent de complètement retirer les inspirations indiennes du commerce de la mode, et de l'autre côté se trouve les défenseurs de la liberté individuelle. Bon, en gros la réponse ''je porte bien ce que je veux, fuckers'' n'est pas la meilleure, mais selon moi on ne peut pas demander aux fashionistas d'arrêter de porter des moccasins non plus. Je suis probablement une exception à la règle, quelque part entre les deux pôles. Je suis du genre à, au moins, aller trouver sur la carte où se situent la nation Navajo et lire quelques lignes sur leur histoire avant de porter leurs traditions. Il faut traiter ses choix vestimentaires avec soin et conscience de la provenance culturelle du morceau. Et surtout! Il faut écrire en connaissance de cause. Et là, aucune pitié pour les magazines de mode qui mélangent la terminologie, utilisent des appelations dépassées (Squaw, par exemple, est très péjoratif) ou favorisent les stéréotypes. Et ces pratiques sont habituellemrnt la norme, quand on sait à quel point le citoyen moyen ne connait RIEN sur l'histoire et les cultures des Premières Nations.

Somewhere

2011-01-16T16:38:00.002-05:00

J'aime tout les films de Coppola. J'aime toutes les bandes sonores des films de Coppola. Peut-être bien que je pourrais maintenant avoir une réponse quand on me demande mon réalisateur préféré (vu que ça arrive tout les deux jours).

Somewhere, par exemple, ce n'est pas pour tout le monde, et je comprend les critiques mitigées. Non, il ne se passe rien. Oui, il y a beaucoup de silences et très peu de musique pour accompagner les longs plans des longues scènes.

Mais c'est là toute la raison d'être du film. Une réflexion sur la solitude, le vide intérieur. Il faut prendre le pouls et se laisser border par la lenteur de la vie. Se laisser toucher par les subtilités. The Virgin Suicides, Lost in Translation, Marie Antoinette, tous des films qui traitent de la cage dorée, de l'existentialisme. Coppola fait des films pour les gens sensibles, et dans ce cas-ci, qui ont des affinités avec le minimalisme. Somewhere est aussi un des rares exemples au cinéma qui s'intéresse à la vie quotidienne d'Hollywood dans ses abus et son déracinement avec le réel. C'est aussi une belle réflexion sur la parenté et les changements de perspectives qu'un enfant apporte.

Valérie Blass & Susi Brister à la Parisian Laundry

2011-01-12T23:06:00.006-05:00

Jusqu'au 19 février 2011 à la Parisian Laundry, vous pouvez aller jetter un oeil au travail de Valérie Blass qui fait dans les sculptures/installations et petits collages délicats, de même qu'admirer une sélection de photographies de Susi Brister. Quelques photos du vernissage:

LaPresse sur Blass: ici et ici

Les photos très texturées de Susi Brister sont au bunker, au sous-sol:

artiste à découvrir: Vivian Maier

2011-01-10T15:12:00.001-05:00

Watch the full episode. See more

Ce reportage m'a laissé bouche-bée.
En espérant que cette humble nanie anonyme passe à l'histoire...

blog des défenseurs de Vivian Maier, où vous pouvez admirer son travail: ici

portraits d'histoire de l'art : Hygeia de Klimt

2011-01-09T15:51:00.001-05:00

Hygeia, détail de La Médecine. 1901. Gustav Klimt. h/t. Détruit en 1945 dans l’incendie du château Immendorf

Klimt est un favori des amateurs d'art, grands connaisseurs et grand public, mais il reste surprenament un personnage peu étudié par l'histoire de l'art. À ma grande désolation, on passe très peu de temps en cours sur la période du tournant du 20e siècle en Arts, aussi riche et florissante qu'elle fut. Je me reprend donc dès que je peux en penchant mes sujets de recherche sur une de mes périodes favorites: l'Art Nouveau.

Le scandale éclate lors d’une exposition de la Sécession à Vienne en 1901 alors que Gustav Klimt expose pour la première fois trois panneaux destinés à orner le hall de l’Université de Vienne. La commande avait été faite pour représenter les quatre disciplines universitaires : La théologie, la médecine, la philosophie et la jurisprudence, dont les trois dernières assignés à Klimt. Jamais vraiment complétés, les tableaux, après avoir étés rachetés par leur créateur puis perdus, ont malheureusement brûlé dans un incendie nazi quelques décennies plus tard. Il n’en reste plus de photographies couleur sauf pour un détail de La Médecine.

La Médecine. Gustav Klimt. Exposée pour la première fois au Palais de la Sécession le 13 Mars 1901. 430x300cm. Huile sur toile. Aujourd’hui détruite.

C’est que La médecine, de pair avec ses deux autres œuvres analogues présentées à l’exposition , ont loin d’avoir fait l’unanimité. La plupart des membres de la sécession viennoise penchaient plutôt du côté de Klimt alors que l’Université de Vienne, mécène, s’est rapidement rangé derrière l’effarement de l’Académie et a qualifié les toiles de « laides » et « pornographiques ».

Gustav Klimt,1898, une des premières affiches pour le mouvement sécessionniste

Au début du siècle à Vienne le monde artistique est hermétiquement gouverné par L’Académie des Beaux Arts et le Künstlerhaus, société d’expositions conservatrice. Il est très difficile de sortir du carcan classique pour les jeunes artistes avant-gardistes. Ceux-ci se rassembleront en 1897 pour fonder l’Association des artistes plasticiens d’Autriche, se publieront dans la revue Ver Sacrum et exposeront dans leur nouveau Palais de la Sécession. Klimt, ayant aussi décoré l’intérieur du palais de fresques, sera le premier président de la Sécession, et gardera un rôle centralisateur durant tout le mouvement viennois du Jugendstil . L’Académie, qui s’est déjà faite produire des fresques dans le style classique par Klimt se voit surprise face à cette nouvelle production beaucoup plus sombre que prévue : « “le triomphe de la lumière sur les ténèbres de l’ignorance″ commandé par le ministère et l’Académie a été transformé en pessimisme visionnaire emprunté à la philosophie de Schopenhauer et de Nietzsche, et observé à travers le prisme de la culture symboliste. ».

Alors que les trois tableaux universitaires sont exposés encore inachevées à la dixième édition de l’exposition de la Sécession, le style propre de l’artiste est encore en gestation. Il ne cessera de retoucher et retravailler les toiles jusqu’en 1907, presque vingt ans après que la commission de l’Université de Vienne ait commandé la décoration du plafond du Grand Hall. Les trois œuvres sont un tremplin pour Klimt qui commence à s’épanouir dans son style symboliste très personnel. Dès la fondation de la Sécession, il délaisse donc complètement sa production académique pour élaborer un vocabulaire pictural particulier qui lui est propre. Rapidement après les trois toiles universitaires, Klimt plonge dans sa phase « dorée », style à la foi décoratif et abstrait misant sur un symbolisme inspiré des penseurs contemporains et une ornementation géométrique colorée .

La médecine, La philosophie et La jurisprudence, ont toutes trois fait acte de premier symbole de la sécession viennoise. Avec Gustav Klimt comme homme de front, le mouvement a réussi à ouvrir les horizons de l’avant-garde en Autriche alors que tous les yeux étaient rivés sur Paris. On annonçait ainsi l’Académie comme une institution retardée, fermant les yeux sur la nouvelle production artistique nationale. Il était temps de suivre le début des révolutions artistiques de l’Europe qui dureraient tout le long du XXe siècle, le tout dans un style national, apparenté au Jugendstil allemend.

Rétrospective & Best of 2010 - Musique Émergente

2011-01-05T21:30:00.032-05:00

L'appellation est questionnable mais disons que pour les besoins de la cause, les généralisations sont mieux acceptées. Il fallait bien que je trouve un titre pour qualifier mes goûts musicaux.

J'ai voulut au départ faire un top 10 d'album, ensuite un top 25 de singles, finalement je trouvais qu'il fallait parler de l'aspect vidéoclip et des certains artistes que j'ai vu live... J'ai aussi pensé copier coller les morceaux de l'année dans l'ordre de nombre de lectures sur itunes (mais c'aurais été injuste pour les parutions de l'automne versus celles du printemps)
Finalement c'est relativement en ordre croissant, les mentions sont autant parfois pour l'album entier, parfois pour le vicéoclip, parfois pour un seul single, mais en gros je vous nomme des bons albums.

Yeasayer - Odd Blood
Le meilleur album de l'année. Plusieurs singles dans les meilleurs de l'année. Très souvent joué dans mon ipod en vélo, très souvent apprécié cet été, et encore vraiment bon. J'aurais choisi Madder Red comme meilleur single mais le vidéoclip me laisse indifférente.

Arcade Fire - The Suburbs
Il mérite un ex-aequo avec Yeasayer, mais je préfère toujours donner la première place aux gars de Brooklyn. Arcade Fire nous prouve qu'ils peuvent évoluer tout en gardant une certaine authenticité dans leur son, et tout le monde est d'accord pour dire que The Suburbs est un album qui se tient. Wow pour l'enregistrement live au Maddison Square Garden. J'aurais payé très cher.

Caribou - Swim - Odessa

Meilleur single de l'année. Excellent album. Vidéoclip mystérieux et tout autant douteux (hallucination visuelle de pénis, scandale!) Bref. Qui aurait cru que les familles de mathématiciens pouvaient produire des musiciens électro bons pour la carrière internationale. Bravo pour les artistes canadiens.
Vraiment bon live cet automne, en passant.

Gorillaz - Plastic Beach

Pas à la première écoute, mais un de mes albums préférés. En fait c'est probablement de les voir live au Centre Bell cet automne (merci Oliver) qui m'a débloqué et vraiment fait comprendre la finitude de Plastic Beach. Comme le reste des albums de Gorillaz, il faut voir ce dernier bien vieillir et prendre ses plis de beau petit vieux.

Misteur Valaire - Golden Bombay
Le meilleur disque produit au Québec de l'année. L'énergie des gars est contagieuse. Et sérieusement, je ne comprend pas pourquoi l'univers des critiques de musique indie anglo internationale (du genre Pitchfork et ses semblables) n'a pas encore découvert tout le talent de MV. Ils méritent leur place au palmarès de l'année sans contredit.

Vampire Weekend - Contra
Le meilleur album de bonne humeur au soleil. Certains trouvent peut-être la musique de VW trop légère, mais d'après-moi ils écoutent Contra en cachette comme guilty pleasure. Qui peut résister au mignon Ezra Koening et sa petite voix gentille? Ce groupe est craquant, et en plus ils font du bon pop rock.

Beach House - Teen Dream
Meilleur album d'ambiance. J'avoue que souvent je réalise que itunes a débuté la lecture au milieu de l'album tellement il est discret, mais c'est ce qui fait tout son charme.

Cocorosie - Grey Oceans
Deuxième meilleur album d'ambiance. On parle trop peu du talent de ce duo. Identité et son particuliers. J'avoue que quand j'allume des chandelles dans ma chambre c'est le premier album qui me vient en tête, mais il est plus modulable que simplement pour une soirée de fille. Tout de même, Smokey Taboo est une des plus jouée de 2010 sur mon ordinateur.

M.I.A. - /\/\ /\ Y /\
La plupart des gens ne connaissent pas le type de musique que MIA fait, en dehors de son seul hit radiophonique paperplanes, qui d'ailleurs sort du lot. Ce troisième album est encore plus difficile à la première écoute, mais vaut le détour. XXXO est un bon single, et le reste de l'album est tout aussi bien construit, suffit de l'amadouer. Et j'envoie tout mon respect pour son intégrité politique dans le monde de la musique, c'est un peu ma pref de l'industrie.

Toro Y Moi - Causer Of This
Belle découverte chillwave et bon album d'ambiance. Beaucoup d'écoutes depuis la sortie de l'album, et dans plusieurs circonstances. Blessa est un des meilleurs single de l'année.

Cults - 7" (EP)
Un tout petit EP de trois singles délicieux. On attends l'album complet en 2011. Super musique pour l'été que j'ai découvert quatre mois trop tard (mais et alors?).

Crystal Castles - Crystal Castles
Un deuxième album éponyme pour le duo, beaucoup plus agressif que le premier. Quand j'ai envie de quelque chose qui varge, c'est ça que je met (considérant que je n'écoutes rien de très agressif, un album comme celui-là c'est ma limite). De très bons morceaux.

First Aid Kit - The Big Black & The Blue
Super découverte un peu au hasard de ce duo folk, que j'ai écouté en boucle au mois de Novembre. C'est un peu la version féminine de Fleet Foxes, et ça s'écoute trés trés bién. Le cover art me laisse perplexe (mauvais photoshop intentionnel ou manque de fonds?), mais dans ce cas il ne faut pas juger le livre par sa couverture!

Hey! Rosetta - Red Songs (EP)
Trois magnifiques chansons d'un groupe que j'ai appris à mieux apprécier avec leur vidéoperformance de la blogothèque et le clip pour Red Song, tout deux singles sur ce EP. Un peu de mélancolie/mélodrame ne fait de mal à personne.

Land of Talk - Cloak and Cipher
Encore un de mes groupes montréalais préférés. Cloak And Cipher est plus mature et plus puissant que les albums précédents, et vaut le détour absolument. Un de mes cover art favoris de l'année aussi.

Warpaint - The Fool
Un premier album pour le groupe de filles qui s'écoute très bien. Un autre bon choix de musique d'ambiance, il coule tout doucement.

Best Coast - Crazy For You
Probablement surévalué à la hausse (favori des magazines et magasins de mode), l'album livre tout de même une bonne énergie divertissante. Best Coast, c'est comme ton groupe de garage sympathique 2010.

Here We Go Magic - Pigeons
L'album m'a déçu mais leur premier single Collector a joué et rejoué dans mon ipod cette année.

The Naked and Famous - Passive Me Agressive You
Un album au final contenant des pièces moins fortes mais trois ou quatre très bons singles qui mérite l'écoute.

Rétrospective & Best of 2010 - Street Art

2010-12-26T16:44:00.003-05:00

Le mouvement international est en folle expansion, la marché de l'art commence à s'y intéresser (peut-être un peut trop, pour plusieurs puristes) et investit massivement dans ces nouvelles formes d'art, les artistes de renommée se multiplient, bref, ça bouge pour les artistes de la rue (J'en connais une qui semble vouloir s'orienter dans un mémoire de maîtrise). Selon moi, les années '10 seront la décennie du street art pour les arts visuels contemporains. Voici quelques grandes figures qui ont retenu l'attention en 2010:

La réussite de Banksy et les questionnements qui s'en suivent

Nonobstant la sortie de son film (commenté ici), je trouve fin de ma part d'illustrer l'année 2010 pour Banksy par une oeuvre d'un autre artiste. Le nom de Banksy est dans la bouche de tout le monde, et ses oeuvres se vendent très cher. Très controversé dans son milieu, plusieurs lui reprochent d'empocher des billets alors que le street art était au départ un mouvement guérilla. De son côté, la réussite ne dénature pas encore son travail, tant que son discours tient la route. Il a amorçé par ailleurs depuis longtemps déjà les réflexions à propos de la mise en marché d'un art gratuit, public et illégal, et le phénomène de hype dans le monde des arts. Mais que penser, alors, de son partenariat avec la 20th century fox pour une intro des simpsons?

l'artiste ABOVE à propos son oeuvre:

''Time always changes things and with that new situations arise. Since last year when I was in Paris I’ve noticed a lot of new topics in street art and more importantly the thievery of art works in the street. I felt it more interesting and relative to have the art thief portrayed in the stencil stealing a piece of art that actually gets stolen quite often. The English artist Banksy is one of the most popular street artists and highly publicized victims of his street artworks being stolen. It’s not by random chance this happens to Banksy’s art as first and foremost he makes great work but also due to the fact that his indoor works have sold for several hundred thousand dollars you can imagine when he paints outside in the street his works are soon sought after by thieves.
Many years ago before Banksy’s mass appeal he painted his popular rat image that read, “Because I’m worthless.”. I felt like it would be applicable to the current state of affairs to appropriate his previous statement to “Because now I’m worth it” to reflect the past and current thievery of his street artworks.''

La monumentalité de Blu et les effets déjà sentis de l'institutionnalisation d'un art libre

murale de Blu, Lisbonne

La monumentalité en street art, ça te change le look d'un coin de rue ça c'est sûr. Blu reste un protagoniste dominant dans les figures mondiales du street art, et 2010 a été une année bien productive, mais aussi source de (!scandale dans le monde des arts!) controverse.

En début Décembre, le musée d'art contemporain de la ville de Los Angeles (MOCA) a mandaté l'artiste de couvrir d'une murale le gigantesque mur d'un de ses bâtiments. Le commissaire en charge n'a pas cru bon de demander d'avance à l'artiste ce qu'il plannifiait et s'est retrouvé dans une fâcheuse position lorsque, 24 heures seulement après la réalisation de la murale, la direction du musée décide de censurer entièrement l'oeuvre.

La murale était commandée en prévision de l'exposition majeure sur le street art plannifiée pour 2011 au MOCA. Facile, suite à cet évènement, de se demander à quel point l'expo sera représentative de la réelle portée politique de plusieurs des oeuvres du mouvement.

On peut lire toute l'histoire, très intéressante, dans le LA Times et une petite réflexion dans le milieu sur Unurth

Fauxreel et le In Situ

artiste torontois à découvrir, Fauxreel propose de donner un vrai visage aux murs de sa ville.

In Situ, c'est le terme utilisé en art contemporain pour une oeuvre créée expressément en vue de son lieu d'exposition, qui ne peut être déplacée, et prend son sens en regard des relations qu'elle établit avec ce dernier. La plupart des interventions urbaines peuvent êtres considérées in Situ, mais je voulais démarquer la démarche de Fauxreel tant je la trouve exemplaire.
Un autre artiste, plus connu, dans le même genre de production: Vhils

Les projets communautaires de Favela Painting

Le groupe d'artistes Favela Painting et leur projet brézilien dans la communauté Santa Martha

Dans la même mouvance que le ''Women are heroes'' de JR, ces braves hommes ont fourni un habitat plus agréable (fort plus attrayant, en tout cas), un emploi temporaire de même que des sessions d'école et d'éducation aux résidents de la petite communauté de Santa Martha en élaborant ce projet de peinture d'environ une cinquantaine de maisons. Ils planifient d'y retourner, si les fonds sont possibles, pour étendre le projet à toutes les maisons de la colline.

Ce genre d'initiative en art est un modèle à suivre. Même depuis la postmodernité qui détrône l'idée de l'autonomie de l'art, les oeuvres sont trop souvent à mon goût un simple projet personnel sans incidence sur la société. Ici, c'est bien le contraire.

Aakash Nihalani thinks outside the box

Je ne pouvais le dire autrement. Le street art repense constamment l'environnement urbain dans lequel nous évoluons chaque jour. Mais certains artistes réalisent vraiment dans l'originalité de magnifiques clins d'oeil à la rhétorique visuelle du quotidien. Et en plus, Nihalani, il fait des boîtes.

Aakash Nihalani, assez populaire pour ses cubes et autres formes géométriques simples fluos qui jouent avec la perspective d'un point de vue unique, a notamment participé dans ce vidéoclip de Vampire Weekend que j'aime tant. Synesthésie!

La portée des mots de Steve Powers

Steve Powers continue son projet A love letter for you dans la ville de Syracuse, NY

Beaucoup de street artists travaillent sur le message plutôt que l'image. La puissance de l'oeuvre est souvent rattachée au minimalisme de la phrase, de quelques mots seulement. Powers réussit cet art à merveille avec sa poésie moderne, clin d'oeil au mode de vie urbain des citoyens, mais il appose à ses murales aussi toute une recherche du lettrage côté typographie, qui donnent vraiment un caractère d'oeuvre complète à ses lettres d'amour.

Slinkachu et l'originalité dans les médiums

The Sights par Slinkachu

L'avantage en art contemporain, c'est la diversité des médiums utilisés parmi les membres au sein d'un même mouvement. Le street art est un des meilleurs exemples des variétés possibles dans la technique, le style, le propos, la location, le tout sous la même bannière du mouvement international. Slinkachu est un des plus grands précurseurs en termes d'originalité dans le médium: il fait dans le petit format.

Personnellement je cherche l'authenticité chez une pratique qui nécessite le soutien d'une institution artistique pour être diffusée (par le biais du support photographique) et qui peut difficilement être inscrite aux côtés des oeuvres destinées au public de la rue (les installations sont quasi invisibles pour le passant non informé).. Réflexion à approfondir sur le public cible des artistes street art.

La montée des expositions collectives

L'artiste invité Ben Wolf préparant une de ses installations

Il y en a depuis que le street art existe ou presque, mais elles sont tranquillement de plus en plus initiées par les institutions muséales et les galeries privées. Reste toujours présents les projets collectifs entre artistes comme le festival FAME (où tous les grands artistes de l'année sont invités), qui mérite vraiment de jeter un oeil aux oeuvres qui y sont produites chaque été.

Roadsworth récidive à Montréal

Il faut être fiers de notre représentant montréalais Roadsworth sur la scène internationale.

Après quelques années d'absence, je crois que tout un bastion de fans ont étés très heureux de son retour cet automne. J'ai trouvé des photos ici et ici, puisque son site n'est pas encore mis à jour.

Voilà pour 2010.

pratiquement toutes les images proviennent de Unurth et Wooster Collective

Rétrospective & Best of 2010 - Mode

2010-12-23T11:44:00.006-05:00

Ah le linge. J'ai une relation amour-haine avec la mode qui traine depuis quelques mois? années? J'aurais peut-être besoin d'un psy pour me calmer. Je parle de style vestimentaire à tous les jours, je pense à ce que je vais mettre la veille avant de me coucher, mais mon blog ne possède pas de réelle catégorie mode, même si ça revient fréquemment comme thème. Je ne crois toujours pas être 'blogeuse mode' anyway, j'ai pas envie d'être un outil de marketing pour les compagnies. J'hésite encore sur la pertinence de la publication de ce billet. Si je me dis qu'il s'insère dans une démarche plus large couvrant plusieurs thématiques, ça m'aide à accepter son existance. Bon, trève de moment emo, voici les meilleurs morceaux de ma garde-robe 2010:

Meilleur comeback en magasin: le style nautique
Quelle joie de pouvoir se remplir les tirroirs de morceaux rayés si facilement. Tout le monde aime le rayé et le rayé fait bien à tout le monde. Garçons, filles, enfants et adultes. Toute la famille en rayé! La seule adaptation a proscrire que je vois c'est le costume d'halloween cochon version sailor girl.

Meilleur vêtement mixte: La chemise en jean

C'est beau sur les garçons, c'est beau sur les filles. De préférence délavée, extra-large ou ajustée, mais pas trop, sans le maudit style cowboy, juste un peu campagne. Dans les pantalons boutonnée ou sur un tshirt ouverte. Comme inter-couche aussi. Ma vintage Levi's ne m'a rarement quittée pour plus de quelques jours depuis un ans.

Meilleur morceau passepartout: le pantalon cigarette taille haute noir.
Merci jean BDG, tu as couvert ma nudité plusieurs fois par semaine depuis que je t'ai acheté il y a déjà de cela plus d'un ans, et tu tiens toujours la route. Je peux te porter avec n'importe quoi, pour un look décontracte, chic, bureau-esque ou écolier. Vraiment, qu'est-ce que serait ma garde-robe sans toi? je t'aime tellement que je pense sérieusement t'acheter en double, et je t'ai déjà dans d'autres couleurs. Jean BDG, I love you.

Meilleur morceau pour le bureau: le pantalon fuseau.
2010 fut pour moi l'année des pantalons. Mes robes et mes jupes ont passé beaucoup de temps dans le garde-robe. Le petit pantalon fuseau, je l'aime bien. En laine pour l'hiver, en lin pour l'été, mais plissé et roulé à la cheville. Propret, belle coupe. Zara en a des tonnes de copies. Et, oui, je travaille dans un bureau.

Meilleur morceau de l'été: le short en jean
Oui, le très petit short en jean taille haute trouvé à l'armée du salut et découpé. Pas cher, sexy somme les pin-ups. Parfait. Comme on en a vu sur les blogs de street style, enfin un morceau de vêtement porté par les plus riches de la planète ET ABORDABLE! À moins de 10 dollars, on peut les collectionner.

Meilleur morceau de l'hiver: le lainage oversized
Extensible, doux, chaud, long, confortable, gros, en robe ou en layering pour le sortir dehors dedans le froid. Trouvable en friperies ou très très cher en magasin. Topshop en a sorti de magnifiques à l'automne, j'ai trouvé le mien au village-valeurs. Je les préfère gris, sans aucun détails, pas de coupe. Le pas-de-coupe c'est pas mal stylé vous saurez.

Meilleur accessoire: le carré de soie
Sur la tête, dans le cou, en boucle, en noeud, n'importe comment. Il habille, il ajoute du motif, de la couleur à une tenue fade. Il en existe des variations à l'infini. il peut pratiquement ne rien te coûter, en synthé, ou te coûter très très cher, en soie. Indémodable petit comme grand. Hermès a sorti une magnifique campagne de marketing, ils m'ont eu, même si j'étais déjà vendue. Autres mentions spéciales, toutefois moins versatiles: Fedora, chapeau de paille, noeud papillon et broche de mère-grand.

Meilleurs souliers: les oxfords en cuir tressé
Les souliers vintage c'est comme les baguettes magiques dans Harry Potter. Ce sont eux qui te choisissent, pas le contraire. Surtout pour une grande fille qui porte du 9 ou 10 (c'est du 10 en fait, mais je ne veux pas l'avouer). Un jour au local 23, la paire parfaite m'a sauté dans les pieds. Un peu trop petits mais je peux les mettre sans bas, sinon ils sont parfaits. Ils vont avec tout (sauf des bas), et me font fantasmer sur l'idée que je suis étudiante dans les vieilles salles de bois franc de la Sorbonne.

Tonalités et couleurs
Gris noir blanc, marine, bleu denim, camel, vert forêt, vert hopital. PAS KHAKI

Clément de Gaulejac - 3 canons @ Gallerie Occurence

2010-12-17T14:23:00.001-05:00

haha, des jokes d'art conceptuel.

Clément de Gaulejac - 3 canons

Jusqu'au 22 Janvier
Occurence - espace d'art et d'essai contemporain
5277, avenue du Parc, Montréal

Marie-Eve Charron du Devoir nous en parle ici

portraits d'histoire de l'art: l'Olympia de Manet

2010-12-10T17:56:00.000-05:00

Édouard Manet. 1863. Olympia. h/t. 130 5 cm × 190 cm. Musée d'Orsay, Paris.

Manet, Manet, Manet, ce que je t’aime. Il y a quelque chose dans ton style pictural qui me fait dire que c’est tout simplement l’accord parfait entre la ligne claire et la touche pâteuse. Même Blair de Gossip Girl fantasme sur le déjeuner sur l’herbe (épisode 01 saison 04).

Ici prend forme le début d’une nouvelle chronique (mensuelle?) sur Synesthésie et compagnie. Je trouvais depuis un certain temps que je ne prêtais pas assez attention à plusieurs arts qui me sont pourtant chers. Je suis, après tout, étudiante en histoire de l’art, et j’ai ouvert cette tribune au départ aussi pour pratiquer mes ô combien grands talents d’écriture. Bref, ça fait un temps déjà que j’ai eu l’idée de vous présenter des grands classiques de l’histoire de la peinture occidentale que j’apprécie particulièrement, et le pourquoi du comment de ma sélection. Un petit peu de belle peinture, une fois par mois, ça ne vous fera pas de tort.

Je commence donc avec une toile que j’affectionne particulièrement depuis que j’en connais l’analyse et le contexte. Voilà un autre exemple qui pour moi prouve que je vois la beauté là où j’en comprends le sens. Je vous explique l’Olympia d' Édouard Manet.

Alexandre Cabanel. 1863. La naissance de vénus. 130 cm × 225 cm. Musée d'Orsay, Paris.

Où commencer?

Manet s’est fait donner le titre de chef de file des impressionnistes plusieurs fois plutôt qu’une. Au moment où il peint ses premières toiles, l’habitude est aux académies bien léchées. Voyez ci-haut une toile de Cabanel peinte la même année que l’Olympia (facile de voir que les deux peinture ont très peu en commun sauf la date et la fille toute nue). On favorise la virtuosité des peintres par la technique de glacis, la perspective linéaire, les sujets mythologiques ou bibliques. Mais Manet est un enfant de la nouvelle génération, et suivant plutôt l’héritage des réalistes, préfère peindre des sujets plus près de sa réalité et d’une manière qui laisse entrevoir la matérialité de la peinture. Ce sont là les deux choses qui feront de lui un exemple à suivre pour les impressionnistes, mais aussi un refusé (i.e. il se fera constamment refuser d’exposer ses toiles au Salon officiel de l’Académie, seule instance de diffusion des œuvres jusqu’ au milieu du 19e siècle en France).

Dans l’Olympia, Manet ne peint pas l’allégorie de l’amour ou de déesse grecque aux proportions parfaites. Il peint une prostituée attendant son prochain client. Les pantoufles aux pieds et le collier au cou, la coiffure, la servante apportant les fleurs et la main cachant le sexe plutôt que l’exposant sont tous des exemples en faveur de cette hypothèse. Disons que les bourgeois amateurs d’art n’avaient pas l’habitude de se retrouver devant une travailleuse du sexe les fixant du regard, sans aucune gêne. Le nu acceptable était plutôt ceci (dont Manet s’inspire, très clairement, pour en dévier le sens) :

Le Titien. 1538. La Vénus d'Urbin. 119 × 165 cm. Gallerie des offices, Florence.

Manet ne peint pas non plus l’Olympia en lui lissant la peau bien rose comme sur la Vénus D’Urbin. Il contraste les blancs durs teintés de vert jaunâtres avec un trait contour épais et noir. Inspiration du japonisme? Peut-être. Les critiques diront de son teint qu’elle semble malade, sale. Le peintre laisse aussi tomber le concept de fenêtre ouverte sur le monde qu’est la perspective linéaire parfaite et le mimésis, pour plutôt favoriser les aplats de peinture et les rabattements, qui donnent un début d’aspect 2D au tableau (on a qu’à penser à Gauguin pour bien se figurer ces techniques).

Ce tableau, je l’ai vu en cours d’analyse d’œuvre d’art, peinture du 19e siècle, impressionnisme, approches iconographiques, et j’en passe. C’est ce qui peut se nommer comme une œuvre charnière, annonçant la peinture moderne. Au départ je ne portais que peu d’attention à Manet. Pas mon genre, la vieille peinture. Mais j’ai compris que, au contraire, Manet avait été de son temps tout sauf vieillot. Et c’est en apprenant de mieux en mieux le contexte historique et la réception désastreuse de l’Olympia que j’ai pu y voir une œuvre révolutionnaire. À force de la fixer en diapo, je l’ai trouvé magnifique.

Cuillère à absinthe

2010-12-10T12:04:00.003-05:00

Il y a quelque chose d'absurde avec ceux qui prennent trop au sérieux leur habitude de prendre leur propre look en photo. Je n'aime pas les blogeuses pompeuses ou qui font toujours la moue, qui regardent systématiquement la caméra d'un air absent ou qui font des airs de sal... bon du calme. C'est pourquoi je ne passe pas trop de temps à fouiner sur les style blogs français les plus populaires, souvent je les trouve vaniteuses (Betty, Louise, Garance, etc). Voilà que je ne connaissais pas Cookies et son blog Cuillère à Absinthe. Wow, le style, la garde-robe et la chevelure rêvée.

Mignonne, et possède tout les plus beaux pulls de laine, cols peter pan, et imprimés Navajo de la planète. Elle ne porte pratiquement que du seconde main sans marque. Cookies est pourtant super populaire, collectionne les shootings avec les revues de mode et de ce que j'ai pu voir se fait aussi inviter aux défilés et tout le fatras. Mais elle n'oublie pas de faire la folle. Merci pour ton humanité, petite rousse.

J'ai essayé de me restreindre dans les photos...

voici un lien vers son lookbook sur facebook: c'est ici

Worn fashion journal

2010-12-08T10:47:00.004-05:00

Cher Père Noël, cette année, j'ai été sage. je voudrais, si cela t'es possible, un abonnement au magazine WORN.

Ça fait un certain temps que j'ai découvert Worn, et je suis en amour. Cette petite revue torontoise est tout ce qu'elle prétend être: source d'inspiration renouvelable, aux articles intelligents et recherchés, originale, de qualité, (contre-culturelle? haha), et c'est un produit local! Peut-être pas montréalais, mais tout de même, on se sent proche des rédacteurs.

Ce que j'apprécie le plus c'est que la revue ne mise pas, contraîrement aux Châtelaine et Vogue de ce monde, sur les tendances, les Ins et les OUTs mais propose plutôt une vision intemporelle de la mode. Génial, non? On peut lire un exemplaire vieux d'il y a deux ans et rien n'y trouver de dépassé.

On y retrouve des interviews, des chroniques historiques, des éditoriaux originaux, et des articles amusants comme l'histoire de cor-du-roy ou un lexique styllistique sur les montures de lunettes. Mi couleur, mi noir et blanc, photoshoots et jolis dessins. Souvent les thématiques sont abordées d'une manière rafraichissante et intelligente qui change de la revue de mode ordinaire.

Voila. Habituellement 6$ l'exemplaire, deux fois l'an. Il y a plusieurs points de vente a Montréal dont toutes les boutiques sympathiques que l'on fréquente déja;
-Headquarters Gallerie + Boutique
-Général 54 & Local 23
-Unicorn
-L'Arterie
et autres

The Naked and Famous

2010-12-07T10:22:00.003-05:00

C'est du bon pop, la lead signer est chix, leurs vidéoclips sont dans l'esthétique à la mode.
Leur premier album, Passive me, Agressive You, est selon moi irrégulier mais contient quelques bons singles, dont Life Punching in a Dream et Young Blood. À écouter cette semaine.

Smart Design Mart du 3 au 5 Déc

2010-12-04T10:37:00.003-05:00

Je suis allée faire un tour au Smart Design Mart hier soir pour l'ouverture, et j'ai pris quelques photos pour vous donner le goût d'aller y faire un tour. Oups? J'ai oublié de prendre des photos d'ensemble... je n'ai que quelques détails de table. Qu'à cela ne tienne, ils sont représentatifs de ce qu'on trouve au SDM.

Je dois avouer que mes amis et moi avons été quelque peu déçus, ayant passé la semaine à avoir hâte à l'ouverture. Il y a de jolies choses, certes, mais pratiquement rien pour les garçons et beaucoup plus de bijoux que d'objets originaux. Selon moi, les designers locaux de colliers et de boucles d'oreilles montréalais sont peut-être forts sympathiques mais ils finissent par vraiment tous se ressembler. Voici quelques exemples de kiosques que vous trouverez au marché:

Plein de trucs inspirants:

le collectif d'artistes EN MASSE live (en tout cas ils l'étaient Vendredi soir):

super cute: Cara Carmina

Jackie Basset, son travail m'inspire beaucoup:

art chaleureux: Monastirki

posters de Jack Dylan:

kiosques et tables multiples de vintage:

designers locaux:

Lelo

2010-11-25T18:45:00.000-05:00

via Unurth & flickr

Pretty in Pink

2010-11-23T14:27:00.001-05:00

Molly Ringwald incarne toutes les raisons pour lesquelles j'aurais voulut naître 10 ans plus tôt, et vivre mon secondaire au beau milieu du meilleur des late 80's. Elle est définitivement une icône de style qui m'inspire au quotidien, et quoi que ses rôles de fille dans les divers films d'ados peuvent paraîtrent au premier regard un peu naïfs, ils ne sont jamais complètement soumis.

Dans Pretty in Pink, elle est tout simplement sublime. J'adore la créativité du personnage qui refuse de s'assouvir aux conventions vestimentaires et nargue son milieu en s'habillant à sa tête.

Les broches sur les cardigans, la dentele en crochet, les imprimés fleuris, les chapeaux, les vestons oversize, les boucles d'oreilles dépareillées, le layering au max. Beaucoup plus facile de s'inspirer de tout ça que des petites robes noires et colliers de perles d'Audrey Hepburn, aussi magnifique soit-elle dans Breakfast at Tiffany's. Je ne vais habituellement pas à l'école avec des gants de soie et un porte-cigarette.

Style 100% DIY, punk sur les bords, tout en fleurs, féminin mais aux coupes très grand mère, souvent garçonne. Adorable. Super actuel.

Cults 7"

2010-11-22T16:29:00.001-05:00

Okay je suis peut-être en retard sur la sortie du printemps dernier, mais c'est MA meilleure musique du moment. Leur premier album sortira au printemps selon Pitchfork. Pour l'instant on peut télécharger 3 singles gratuitement sur leur site.

Tout le monde aime les vidéoclips interactifs

2010-11-22T15:44:00.002-05:00

Le web 2.0 favorise l'interactivité au max, ça tout le monde le sait. La nouvelle innovation en terme de vidéo web, c'est d'inclure le spectateur au centre du déroulement de la petite histoire. On l'a vu avec The Wilderness Downtown de Arcade Fire où la maison de notre enfance surgit dans les multiples fenêtres de notre navigateur.

C'est au tour cette semaine du trio de filles Au Revoir Simone de sortir un vidéoclip interactif, tout gentil (comme leur musique), qui nous permet de laisser aller notre créativité dans un livre à colorier.

Vous pouvez aller jouer avec The Knight of Wands juste ici.

à quand le vidéoclip dont vous êtes le héros? J'ai hâte.

Scenes from the Suburbs

2010-11-20T12:42:00.006-05:00

The Suburbs de Arcade Fire réalisé par Spike Jones

à comparer avec Born Free de MIA réalisé par Romain Gavras.
La facture et le concept sont tout deux très différents mais les deux vidéoclips traitent de la liberté, des forces de l'ordre et de la culture américaine.

Win Butler sur la production du projet, en entrevue à Pitchfork:

"WB: It's not a video. It's a short film; we're still working on it. It's like a science-fiction B-movie companion piece for the record. Basically, we played Spike some music from the album and the first images that came to his mind had the same feeling as this idea for a science fiction film I had when I was younger. My brother and I and Spike wrote it together, which was really fun-- it was like total amateur hour. We shot it in Austin and a lot of kids are in the film, and it was great just hanging out with these 15-year-olds for a week and writing down all the funny things they said. It was cool to revert to being a 15-year-old for a little while."

Land of Talk + Snailhouse + Braids au cabaret du mile-end

2010-11-19T11:58:00.010-05:00

photo © 33Mag

Hier c'était la première fois que Land of Talk remontait sur scène à Mtl hometown depuis leur dernier album Cloak and Cipher, sorti au mois d'Août 2010. Après cette absence prolongée de sur la scène montréalaise, les fans mais aussi Elizabeth Powell et ses amis étaient super contents des retrouvailles. L'énergie positive passait des musiciens à toute la salle.

J'aime aimer les groupes Montréalais. À part la super performance du band, accompagné dailleurs de plusieurs autres musiciens, ça défonçait, j'ai vraiment apprécié la petite déclaration d'amour d'Elizabeth à Montréal et son bilinguarisme. Durant le rappel, nous a spécifié l'importance pour elle de parler dans les deux langues, et d'honorer le français autant que l'anglais. Aw.

C'était réussit. Et j'ai découvert Braids, que je vous conseille aujourd'hui si vous aimez l'électro planant du genre Animal Collective. Ils sortent un album cet hiver, je reste à l'affut.

bonne critique de Braids sur Montreal Mirror

article sur Liz Powel sur cyberpresse

It's Okay en rappel

cadavres exquis

2010-10-29T20:31:00.003-04:00

via Découpures, décalages

Warpaint - The Fool

2010-10-21T22:18:00.003-04:00

Warpaint a déjà sorti un EP il y a déjà un bail, mais leur premier album sort dans une semaine, et on peut l'écouter ici:
(p.s. musique profitable à l'étude de mi-session)

Hipster Musings

2010-10-15T14:03:00.003-04:00

J'avais l'habitude de suivre quelques blogs mode pour me désennuyer des longues heures de bureau à l'ordinateur, mais ces temps-ci, ils m'emmerdent tous ou presque. J'ai perdu l'intéret des posts de Garance Doré, vraiment. Peut-être que son rôle borderline à cheval sur le monde super sélect de la (vraie) mode internationale et son côté fan-wannabe était attirant, mais elle est clairement complètement rentrée dans la bulle, et je la sens construire un mur avec le reste du vrai monde. Bref, ne pas s'éterniser sur le sujet...

Je voulais vous partager ma nouvelle découverte, Hipster Musings. J'ai encore un quelque chose contre l'idée trop narcissique d'étaler au public ses qualités physiques et ses choix vestimentaires, mais miss ici me fait craquer. On a les mêmes goûts. Sauf qu'elle a nettement plus de vêtements que moi. Maudits soit les employés du AA (à suivre, haha).

OK. Des fois elle porte trop de vêtements du AA...

JM Basquiat: The Radiant Child

2010-10-14T23:14:00.001-04:00

Simultanément avec une des plus grandes expositions rétrospectives de l'oeuvre de Jean Michel Basquiat au Musée d'art Moderne de la ville de Paris, nous, à Montréal, on a la chance de pouvoir visionner au cinéma du Parc le récent documentaire The Radiant Child, réalisé et filmé par une amie proche du peintre avant qu'il ne nous quittes pour un monde meilleur, il y a déjà de cela 20 ans.

The Radiant Child, si le contenu vous importe plus que le contenant, mérite d'être sur votre liste de documentaires à voir cet automne.

Basquiat, né à Brooklyn d'une famille d'immigrants humbles, débute sa vie artistique au moment où il décide de quitter le foyer familial pour faire comme tout les autres artistes newyorkais de son temps: vivre la véritable bohème dans les rues de Greenwich et Soho du temps que les déchets et les graffitis ornaient les rues du sud de l'île de Manhattan. -Seulement pour les images de NYC des années 80, le film vaut le détour (et pour ceux qui rêvent de voir encore plus du Soho pré-gentrification, il y a le film Downtown 81 dans lequel notre ami joue ). Bref Basquiat commence à se faire connaître par ses graffitis sous le pseudonyme de SAMMO, finit par rencontrer les bonnes personnes (dont Warhol à qui il décide de s'auto-introduire un bon matin). Le documentaire relate toutes les étapes classiques de l'artiste romantique typique, qui ne réussit jamais à bien s'adapter à son nouvel environnement polarisé: naissance, adolescence et puis fin abrupte: décrochage, mort subite.

Malgré ce petit conservatisme et parti-pris dans la narration archi-classique de la biographie, tout de même, Basquiat reste un personnage intrigant au charisme exubérant et au pinceau plus que vivant. On verra ce que le temps et l'histoire de l'art fera de lui, c'est encore trop tôt pour bien saisir l'ampleur de son impact sur les arts visuels et (!!) la contre-culture.

Enrico Boccioletti

2010-10-14T18:22:00.001-04:00

via Une fille comme les autres

et tout plein de ses montages vidéos:

Encore sur l'hipster-isme

2010-10-13T17:10:00.003-04:00

Tout le monde croit savoir de quoi il parle mais personne ne s'entend sur la définition d'un hipster.

Nouvelles tirades dans les médias suite à la publication d'une étude dans le Journal of Consumer Research sur les habitudes d'achat des "contre-culturels". Sylvie St Jacques nous parle de casquettes de camionneur et de souliers Puma. C'est moi où si ces deux éléments vestimentaires-là font partie de la garde-robe du hipster 2010, je n'aurais quasiment aucun bon repère sur ce que je croyais être les critères esthétiques du hipsterisme?

Toujours aussi superficiel, cette réflexion, vous me direz? Ben oui mais faut bien que quelqu'un s'y penche. Pas que j'y voie la plus grande importance mais, quoi que l'on dise, l'apparence reste tout de même un enjeu majeur de notre hypermodernité. Et quand l'apparence devient emblême de mode de vie, ça devient plus intéressant. Et c'est pas moi qui inventes ça.

*Pour les jeunes du Québec hors-métropole, le hipster c'est le montréalais branché et snobinard. Hm, généralisation hâtive?

*Pour le consomateur au Urban outfitters, le hipster c'est le gars juste à côté qui lui ressemble beaucoup MAIS à ne pas confondre avec lui-même! Hm, amusant?

*Pour Nicolas Langelier de P45, le hipster c'est celui qui est en train de gâcher sa vie avec les superficialités du cool. Hm, pessimiste?

*Pour Hal Niedzviecki, le hipster c'est maintenant pas mal n'importe qui. Hm, lui il a mal compris le phénomène de roulement.

*Pour le hipster, le hipster est tout ce qu'il déteste des gens qui lui ressemble.

C'est à s'y perdre, come je l'ai déjà fait auparavant.

On fait quoi?

"Asking how the modern hipster came to be begs many questions around the diffusion of cultural meaning via new media technologies, the paradoxes inherent with trying to create a counter-culture within a capitalist model, and whether a true counter-culture is even possible at this moment in Western society given our increasingly globalized world.
In short, investigating how hipsters came to be, and how they have changed as an identifiable group of people, promises to teach us a great deal about the shifts, more generally, in our society"

"Simply browsing through definitions of "hipster" on urbandicitonary.com, one can see how quicky artifacts of hipsters can become mainstreamed. The keffiyeh scarf is one example of this trend. Originally a symbol of Palestinian Nationalism (and some argue the anti-war movement), it was a popular fashion accessory among hipsters a couple of years ago, until it started being sold at places like Wet Seal and Forever 21, at which point it was quickly abandoned by hipsters. As the keffiyeh scarf example shows, in order to maintain the boundaries of their subculture, hipsters must become a community of practice. [...] Together, all of these actors serve to support one another toward a shared goal: maintaining a subculture that is always one step ahead of the mainstream."

-Lauren Alfrey, qui écrit des réflexions bien plus pertinentes que les simples citations relevées (quasi hors-contexte) de Sylvie St-Jacques et autres. Ou peut-être simplement plus proche de mes opinions.

Je reviens sur la différence esthétique contre-culturelle/activisme contre-culturel. Porter des pantalons taille haute n'est pas comme porter un keffieh (quand le symbole signifie encore une idée). La portée politique de certains éléments vestimentaires (keffieh, vêtements apparamment de seconde main) et comportements sociaux-économiques (se déplacer à vélo, faire son composte, acheter équitable ou local) est paradoxale avec l'idée d'un jeune apolitique. Que croire? C'est pas vrai qu'aucun jeune n'est conscientisé. C'est pas vrai non plus que ceux qui vont voir des shows de musique dont vous n'avez jamais entendu parler sont tous condescendants. Comme dit Arsel, il y a des gens superficiels ou désagréables partout, pas juste chez les jeunes "contre-culturels". Tout comme il y a des gens conscentisés partout.

Ah et puis ça, ça me fâche: "Les hipsters semblent bien installés dans leur habitat urbain. Bien triste nouvelle pour les habitués du café Olimpico ou du Club social".
Hey wow minute papillon. Tu insinue qu'il faudrait une VIP list au Club social? Un code vestimentaire "pas de Ray Ban ici?" Qui est moins légitime qu'un autre de profiter de nos institutions montréalaises?
Oublié de peser vos mots, Mme St Jacques? Ça ne m'aide pas à remonter l'estime très basse que j'avais pour les chroniqueur(e)s de LaPresse.